TOGETHER WE'LL DANCE IN THE DARK

"Find your freedom in the music, find your Jesus, find your Kubrick", dice Lady Gaga en el tema Dance in the dark del disco The Fame Monster. La pasión por algo se manifiesta de diferente forma, y es cierto que cada quien la vive como más lo considere necesario.



La pasión por la música es algo que nos llega a algunos, en ocasiones puede disminuirse, o cambiar; evolucionar o modificarse. Pero en la mayoría de los casos, se queda, con todo y los bemoles que el paso de los años puedan causar.

Tal vez desde antes de nacer, con los gustos de nuestros padres, más adelante con lo propio de lo que a cada niño le puede gustar, y más adelante con los ídolos que en ocasiones los medios pueden ir creándonos.

Pero la consolidación de esa pasión, cuando uno crece más, cuando ya toma sus decisiones, y cuando cada quien elige... es ese entonces el momento en el que sabemos que es algo que llegó para quedarse para siempre.

Mi pasión es por la música, y no cualquier música, la que en realidad me hace vibrar, e incluso querer “bailar en la oscuridad”. Como dice “la GaGa”, he encontrado mi libertad, mi Jesús y mi Kubrick con los sonidos... y lo mejor, sé que viene más.

Hace unas horas Lady GaGa cantó en los premios Brit, donde resultó la ganadora de la noche. Aunque la versión de Telephone no es la mejor, si envidio su “guitarra-teclado-fabuloso Fred”... ¡está bien chido!

Ésta es la presentación en cuestión:

UNA DIVA ESCOCESA

No me había dado cuenta que soy un fan de Annie Lennox hasta hoy que compré el disco “The Annie Lennox Collection”, mismo que estoy disfrutando en estos momentos, con grandes recuerdos, emociones y letras propias de una gran artista, o como ella misma se definió en algún momento, una verdadera “Diva”.



Contrario a lo que podría pensarse, no soy fan de Eurytmics, banda en la que empezó Lennox en la década de los ochenta. Creo que me molesta mucho lo choteada que quedó Sweet Dreams (Are made of this), que la verdad la dupla de Annie y Dave Stewart no es de mi agrado.

Pero el caso de la mujer en solitario es completamente diferente, pues desde el lanzamiento de su primer disco, he seguido y apreciado su carrera, y sinceramente, creo que hoy más que antes.

En The Annie Lennox Collection aparecen 14 canciones, y en la edición especial también 14 videos que retratan la fructífera carrera de la artista, así como todas las etapas que ha pasado desde su llegada en solitario en 1992.

La cantante escocesa nacida en 1954 lanzó en 1992 su disco Diva, el cual fue introducido por Why, una canción que a 17 años de su lanzamiento sigue mostrando la nostalgia, desesperación, dolor y emoción de una relación que ha llegado a un difícil momento.



Y básicamente sobre esta misma situación versa Walking on broken glass, posiblemente el más grande éxito comercial de Lennox como solista. El tema ocupó los primeros lugares de popularidad en varias partes del mundo, y ciertamente todavía es emocionante escuchar la peculiar voz de Annie sufriendo por sentir que camina sobre vidrio roto.



Para su segunda producción, Medusa, Annie Lennox decidió grabar nuevas versiones de temas que fueron éxitos en diferentes grados, dotando a las canciones el característico estilo de la cantante. No more I love you’s fue el primer sencillo, al cual siguieron temas como A whiter shade of pale y Waiting in vain, temas inolvidables en sus versiones originales como en las realizadas por la escocesa.



Visualmente, Annie Lennox ha tenido una carrera llena de color, llena de luces, llena de maquillaje e incluso, llena de exageraciones. Todo se acepta, se perdona y se aplaude, pues la presencia de la cantante es excepcional.

Ya sea con imitadores en Little bird, una versión de Relaciones Peligrosas en Walking on broken glass, las orejas de Minnie Mouse en Waiting in vain o todo el drama de No more I love you’s.



Tras una reunión de Eurytmics a fines de los noventa, los fans de Annie Lennox no volvimos a saber nada de la cantante hasta el 2003, cuando lanzó su disco Bare, álbum que sirvió como catarsis para la cantante tras una fuerte depresión sufrida a causa de varias pérdidas, que llegaron a afectar profundamente a la cantante.



Sobre Pavement Cracks, sencillo de Bare, una valiente Lennox confiesa: “Estaba profundamente decaída... tratando de vivir un día a la vez, al punto de la desesperación diaria. Había un sentimiento que todo el color se había ido... se había convertido en negro. Sé que el mundo es doloroso, pero tienes que intentar trabajar con el dolor para que no te destruya. Ya he salido, el color regresó”.

En el 2007 surge Dark road, cuyo video muestra claramente, incluso en el rostro de Lennox, este momento, completamente entendible y aplaudible, sobre todo cuando cualquier mortal piensa que los “artistas” no llegan a sufrir de este tipo de enfermedades.



Para este año, con su disco Songs of mass destruction, destacó la colaboración de Annie con más de veinte cantantes, incluyendo a Madonna, para grabar el tema Sing, con el cual promovió una campaña a favor de la lucha contra el sida, especialmente en las mujeres y niños de África.



Los éxitos de Annie Lennox se contemplan con música de película, y aunque en la edición mexicana del álbum no se incluye el tema Into the west de la película El rey de los anillos, sí aparece afortunadamente Love song for a vampire, una inquietante y majestuosa canción del soundtrack de la versión de Francis Ford Copola de Drácula.



El cierre de casi dos décadas de trabajo llega en The Annie Lennox Collection con el tema Shining light, un respiro positivo hacia el porvenir y los buenos momentos del futuro.



Una mujer trabajadora, que ha sufrido, que ha vivido el glamour, que ha llorado por amor, que ha apoyado las buenas causas, que ha caído, que ha subido, Annie Lennox, una verdadera Diva.

TE REGALO EL ÚLTIMO SOPLO DE MI CORAZÓN / JUEVES Y LOVG

Tal vez mi pasión más grande es la música, me gusta escucharla en todo momento, y ya sea para ponerme de buenas, para pasar el tiempo o para hacer todavía más fuerte una tristeza, ha estado acompañándome prácticamente desde que nací.

Hoy quiero compartir una canción que apenas descubrí y que me ha movido mucho, a pesar de no tener punto de identificación con su contenido, con su letra, o con la cruda realidad que representa… simplemente, me ha conquistado por su crudeza, su sinceridad, su realidad y sobre todo por la forma en la que el grupo español La Oreja de Van Gogh ejecuta esta pieza, llamada Jueves.



La agrupación española La Oreja de Van Gogh, rinde tributo a las víctimas del mayor atentado terrorista de la historia en su país natal, con el lanzamiento del video de su nuevo sencillo Jueves, que se desprende de su más reciente disco A las cinco en el Astoria.

Leire Martínez, Xabi San Martín, Pablo Benegas, Alvaro Fuentes y Haritz Garde, quienes destinarán los beneficios que genere la canción y el video en sus ediciones digitales a la Asociación 11-M, definen dicho tema como una historia de amor sobre la que nunca hubiesen querido escribir.

"Es una canción especial, quizá la más especial que nunca hayamos escrito. Nace de la necesidad de destacar cada una de las pequeñas grandes historias que muchas veces las estadísticas terminan eclipsando. Por una vez y durante apenas cinco minutos de música, aquel 11 de marzo de 2004 vuelve a ser sencillamente jueves", coincidieron.

Cabe señalar que la nueva balada del quinteto español se sostiene sólo con piano, teclados y la voz de Leire casi desnuda, sin la ayuda de guitarras, bajos ni baterías, donde se aprecian sentimientos como la intimidad, sencillez y emoción.



Confieso que al escuchar la última parte de la letra, poniendo atención a toda la historia contada en voz de Leire Martínez, si sentí un vacío muy grueso, una tristeza verdadera, un nudo en la garganta, por ese fatídico momento del 11 de marzo.

Y ya estamos llegando, mi vida ha cambiado
Un día especial este once de marzo.
Me tomas la mano, llegamos a un túnel
Que apaga la luz.

Te encuentro la cara, gracias a mis manos.
Me vuelvo valiente y te beso en los labios.
Dices que me quieres y yo te regalo
El último soplo de mi corazón.

De verdad que me parece lo más poético esa última frase, lo más romántico del mundo, a la vez lo más doloroso: “Dices que me quieres y yo te regalo el último soplo de mi corazón”.

Nunca he sido fan de La Oreja de Van Gogh, la verdad algunas de sus canciones me han gustado, pero nunca para comprar algún disco de ellos. Con la salida de Amaia Montero, la nueva formación de la banda no me llamó tanto la atención, hasta que llegó el “jueves”.



Muchos dicen que las voces de Amaia y de Leire son muy parecidas. Yo creo, después de escuchar a las dos en vivo, que la interpretación de Martínez es realmente más potente que la de Montero, y para muestra la forma en la que se desgarra al momento de cantar este tema, su nuevo sencillo. Sí, hubiera sido mejor que no hubieran escrito esta canción, pero qué manera tan magistral de contar una historia tan dura, en una canción tan inolvidable. Eso es de grandes.

Gracias por el “Jueves”

LA OREJA DE VAN GOGH / JUEVES (VIDEO OFICIAL)



LA OREJA DE VAN GOGH / JUEVES (EN VIVO)

ALANIS… AND YOU’RE STILL HERE

No fue lo mismo hace 13 años, definitivamente la experiencia fue diferente, y sin embargo, creo que la sensación grata, de gozo y disfrute sí podría compararse en ambas ocasiones.

Fue en 1996 cuando ví en vivo a Alanis Morissette por primera vez. Fue cuando había explotado con su disco Jagged Little Pill, y México, al igual que prácticamente todo el mundo, cayó rendido ante la música de esta artista canadiense.



Siendo un adolescente todavía, estudiando mis primeros semestres en la universidad, con miles de confusiones, molestias y dudas, la música de Alanis quedó perfectamente cuadrada con mis sentimientos, experiencias y gustos. Así, me convertí en uno de los miles seguidores de su disco que vendió más de 20 millones de copias tan sólo en Estados Unidos.

Durante el primer concierto de Alanis Morissette en la Ciudad de México, precisamente en el Teatro Metropólitan, meses antes de su triunfo en el Auditorio Nacional, yo acudí a escuchar mis temas favoritos, canciones como Ironic, Your House o Right Trough you, que resonaron en ese recinto.

Desde esa noche han pasado ya prácticamente 13 años, y hoy precisamente, hace algunos minutos me encontré nuevamente con la cantante canadiense, en su regreso a los escenarios mexicanos.



Alanis promueve su más reciente disco Flavors of Entanglement, por lo que gran parte del espectáculo fueron canciones de este álbum, lo cual prácticamente no se notó, pues muchos éxitos de antaño se mezclaron con sus nuevas composiciones.

De esta forma, tras una breve introducción, Alanis con un atuendo sencillo, pero muy lejos de la oscuridad de hace 13 años, apareció en el escenario para interpretar Uninvited, canción que resonó por el Auditorio Nacional, que si bien fueron considerablemente menos que en 1996, sí mostraban una mayor complicidad y entendimiento con la cantante.

Además de los temas de su nuevo disco, también parecía transportarme a cada instante al 96, pues prácticamente todos los sencillo, e incluso otras canciones del Jagged Little Pill fueron interpretadas en la noche. Ya fuera de manera acústica como Hand in my pocket, tocando la guitarra en Head over feet, o con toda la gloria de clásicos como You oughtta know y You Learn, los fans que conocieron y se quedaron con Morissette por ese primer disco no fueron defraudados.

De la nueva producción, destacó en mi agrado su muy cálida presentación de Not as we. La canción es todo un drama, pero a la vez esperanzadora, lo cual pareciera calar muy profundo en mis sentimientos, sin que ahora pueda aceptar que alguna lagrimilla rodó durante esta canción.

Obviamente faltaron algunas canciones… seguiré esperando escuchar en vivo mis dos temas favoritos de Alanis: That I would be good y Precious Illusions, pero la aparición de otras melodías que estuvieron en el inter del primer disco y el más reciente, llenaron esos huecos.

Además del tema con el que cerró, Thank u, la canción que hizo mi noche fue Everything, un tema del disco My so called chaos, que de una forma acústica llegó casi en la parte final del show, con una Alanis que dedicó este tema a “todas las personas complicadas”.. y vaya que había miles reunidas esta noche.

Muy rápido pasó la hora y media que duró el concierto. Faltaron muchos temas, y otros fueron muy aplaudidos. Alanis ahora se va al interior de la república mexicana con su gira, y el recuerdo de este segundo tour en la ciudad queda con la promesa de volver a contar con la presencia de esta mujer que ha sabido evolucionar, musicalmente y artísticamente, de una forma digna y muy admirable.

Finalmente, es de aceptar y agradecer que es una dicha que Alanis siga aquí, haciendo buena música, de esa que sí llega hasta lo más profundo de nuestros corazones, ya sea el de un adolescente o el de alguien todavía buscando su lugar en este mundo.

ALANIS MORISSETTE / YOU OUGHTA KNOW (1996)



ALANIS MORISSETTE / EVERYTHING (2004)



ALANIS MORISSETTE / NOT AS WE (2009)

OBSESIÓN: LADY GAGA…YOU CAN’T READ MY POKER FACE

Sin darme cuenta, llegó la primera obsesión musical del 2009 a mi vida, y aunque ya la había visto en varias ocasiones en diferentes sitios de internet, e incluso tener un sencillo de ella en la Ipod, la verdad no le había puesto mucha ocasión. Sin embargo, como suele ocurrir, casi de la noche a la mañana, ya la tengo por todos lados, incluso con la compra del CD y la descarga de sus videos, me refiero a Lady Gaga.



Joanne Stefani Germanotta es el nombre completo de esta jovencita nacida en 1986 en Nueva York, Estados Unidos. De padres italianos, la mujer vivió rodeada de lujos, e incluso fue a la escuela con las hermanas Paris y Nikky Hilton, de quienes según sus declaraciones, nunca fue amiga, ni siquiera conocida.

A pesar de venir de una familia bien acomodada, la historia de Ga Ga cuenta que ella misma ha luchado por conseguir el lugar que a principios de este 2009 empieza a tener en la música, después de varios intentos musicales, de escribir canciones para artistas pop como Britney Spears y Las Pussycat Dolls, y de incluso ser una ferviente promotora de los “Performances” en Estados Unidos.

Todos estos aprendizajes en sus apenas 22 años, hacen que el lanzamiento de Lady Gaga a la música en el 2008 se convirtiera en un momento muy interesante, o al menos eso le ha parecido a varios países donde la muchacha se ha convertido en todo un éxito.



Por ahora, sus canciones han ocupado el primer lugar en países como Canadá, Australia e incluso el difícil mercado estadounidense, donde su sencillo debut Just Dance, actualmente se coloca en la cima del Billboard Hot 100, desbancando a la mismísima Beyonce de la cima.

Su disco The Fame está escalando también posiciones de ventas en varios mercados, gracias sus canciones pop, mezcladas con un poco de electrónica e incluso un coqueteo al rock, además de una imagen extremadamente llamativa que la ha convertido en una de las mujeres más criticadas y comentadas por los expertos de la moda por sus estrafalarios atuendos que incluyen grandes lentes, moños de cabello, mucho maquillaje, poca ropa en las piermas y un peinado que incluso sin querer queriendo ha sido copiado por Christina Aguilera.



Pero más allá de la imagen, perfecta para llamar la atención de la comunidad gay por su colorido y brillo, la música, creada por la propia Ga Ga habla por sí sola, y efectivamente, es una invitación para pasarla bien, para bailar, para mover el cuerpo, para olvidar problemas, y quedarse sólo con las melodías, que no intentan nada más que crear un momento de esparcimiento.

Efectivamente, la música de Lady Ga Ga no es profunda, pero eso no importa, en los momentos en los que uno sólo quiere pasarla bien. Los temas del disco The Fame y otros que siguen apareciendo casi a diario en varios sitios de internet, son la clara muestra de que la popularidad de esta rubia va en ascenso, y no dudemos que esta tendencia siga en los meses próximos, pues a final de cuentas en la mayoría de los territorios apenas se empieza a escuchar de ella.



El primer sencillo es Just Dance, una canción que habla sobre el momento donde a pesar de no saber dónde está uno, lo único que importa es la música y bailar. Este tema sorprendentemente está en el primer lugar en Estados Unidos y ha sido nominado para la próxima entrega del Grammy.

Lady GaGa - Just Dance
Cargado por LadyGaga

Y por otro lado está Poker Face, tema que ya estuvo en la cima de Canadá y que presenta una imagen todavía más estilizada de Lady Gaga, en un video ciertamente hipnotizante, y muy muy llamativo.

Lady GaGa - Poker Face
Cargado por LadyGaga

Música, pop, imagen, luces, brillo, letras, excesos, que mejor para la primera obsesión musical del 2009: Lady Ga Ga.

Janet, te extrañábamos

Aunque ya tiene algunas semana en la radio, apenas ahora puedo hablar de Feedback, el primer sencillo del disco Discipline de Janet Jackson que esta semana sale a la venta.

Aunque el tema no ha sido el éxito esperado en la radio, no cabe duda que es un gran logro para la cantante que se había estancado en sus discos de esta década.

El tema en realidad es contagiosos, para bailar y un buen motivo para voltear a ver de nuevo a la más "cuerda" del clan Jackson.

El tema se llama Feedback, e incluso, amo el video que dejo a continación.

OBSESIÓN DE LA SEMANA: ANNIE LENNOX

La inspiración a veces no llega, pero realmente no es tan difícil buscar y encontrarla fácilmente. Tan solo es necesario recordar momentos, situaciones, personas, incluso olores y seguramente arribará sin problemas.

Para elegir la obsesión de esta semana, bastó únicamente con revisar los artistas que tengo en la Ipod, para que en la letra A encontrara a otra de mis artistas favoritas, tanto por su carrera, su música, su estilo y la presencia que ha tenido a lo largo de su vida.

Annie Lennox nació el 25 de diciembre de 1954 en Aberdeen, Escocia y, fue educada en música clásica y flauta en la Academia Real de Música en Londres, Inglaterra, donde no tuvo mucha suerte, pues sus maestros no veían gran futuro en la joven.

Su carrera musical inició como la líder de la banda The Tourist, sin embargo fue como la voz del grupo de música pop electrónica de los 80 Eurtythmics, cuando Lennox, al lado del inglés David A. Stewart, logró la fama mundial. En los primeros años de existencia de la banda, ella fue conocida por su estilo andrógino, al utilizar trajes y una ocasión disfrazarse de Elvis Presley.

El duo lanzó una larga serie de sencillos clásicos en los ochenta, del cual destacan: Sweet Dreams (Are Made Of This), Here Comes The Rain Again, Would I Lie To You?, There Must Be An Angel y Don’t Ask Me Why, entre otras.

Aunque Eurythmics nunca se separó oficialmente, Lennox hizo clara la ruptura con Stewart en 1990, después de iniciar una carrera solista, que también la encumbraría en la cima de popularidad en varias partes del mundo.

A principios de la década de los noventa, Lennox empezó a trabajar con Stephen Lipson en lo que sería su primer disco como solista. Lanzado en 1992, Diva se convirtió en un éixto comercial y crítico. La radio recibió con los brazos abiertos los temas Why y Walking On Broken Glass, recibió varios premios y grabó la inolvidable canción “Love Song For A Vampire” como el tema principal de la cinta Drácula de Bram Stoker.

En 1995 Lennox regresa con el álbum Medusa, una colección de covers de diferentes artistas como Bob Marley y The Clash. Esta producción también tuvo una recepción calurosa por parte de sus seguidores, gracias a su interpretación en No More I Love You’s , misma que la ayudó a conseguir un premio Grammy por mejor interpretación vocal pop femenina.

En 1988, después de la muerte de un amigo mutuo, Lennox se reencontró con Dave Stewart con quien volvió a grabar bajo el nombre de Eurythmics para el álbum Peace, que tuvo una recepción tibia por parte del público.

Su tercer disco como solista salió a la venta en el 2003 bajo el título de Bare. Aunque el disco no vendió bien, las críticas nombraron a esta producción como una de las mejores de ese año. Durante esta época, Lennox salió por primera vez de gira como solista, realizando pequeñas e íntimas presentaciones alrededor del mundo.

En el 2004 Annie ganó el Premio Oscar por mejor canción para la cinta “The Lord Of The Rings: The Return Of The Kings” con el tema “Into The West”, mismo que también la hizo acreedora de un premio Grammy y un Globo de Oro.

Una nueva reunión de Eutrythmics ocurrió en el 2005 gracias al lanzamiento del disco de éxitos “Ultimate Collection”, del cual se desprendió el tema “I’ve Got A Life”.

Con la ayuda de Glenn Ballard, productor recordado por sus colaboraciones con Alanis Morissette, Annie Lenox grabó su más reciente disco que saldrá a la venta en el otoño del 2007 bajo el nombre de Venus.

Aunque Annie Lennox ha estado siempre alejada de los escándalos propios de una estrella pop, para tener una tranquila vida familiar al lado de sus hijas, esta mujer sin lugar a dudas es una imagen importante del sonido femenino de las dos pasadas décadas.

Cual sobreviviente, a pesar del paso de los años, su presencia continúa, el público la sigue fielmente, y cualquier trabajo que lanza es recibido exitosamente al conocer la calidad de lo proveniente de esta persona.

Puedo considerar que soy más fan de la Annie Lennox como solista, sobre todo de sus discos Diva y Medusa. Su trabajo con Eurtytmics es icónico del sonido ochentero, sin embargo está un poco lejano a mi.

Varias son las canciones que disfruto y vibro en la voz de Lennox. Ya en algún momento en este espacio compartí Walking On Broken Glass. También me encanta la canción de amor para un vampiro, o incluso Little Bird; sin embargo creo que para esta obsesión hago la mejor elección al presentar el tema introductorio de la carrera como solista de Annie.

Fue el primer sencillo del disco Diva. Una canción de desconcierto, de amor, de desamor y de dolor. Eso se escucha desde el principio del tema hasta la última nota del mismo. Esta canción se llama Why, y a pesar de tener ya 15 años de haber sido creada, claramente representa la carrera de una mujer tan completa como Annie Lennox.

OBSESIÓN DE LA SEMANA: THE GO-GO'S

Las obsesiones van y vienen y algunas llegan para quedarse. Esta ocasión, dentro de la sección propia del Gonzo’s Place, una banda que definió un estilo que han seguido muchas mujeres a lo largo de los años, con más éxito algunas que otras, pero todavía recordando el movimiento que generó la banda californiana The Go-Go’s.

The Go-Go's es una banda de Rock and Roll integrada exclusivamente por mujeres formada en 1978. Hicieron historia como el primer grupo completamente femenino en la música pop que tocaba sus propios instrumentos y escribían sus propias canciones.

El grupo originalmente estaba integrado por Belinda Carlisle (vocales), Jane Wiedlin (guitarra, vocales), Charlotte Caffey ( guitarra principal, teclados), Margot Olaverra (bajo), y Elissa Bello (batería). Empezaron tocando punk rock en clubes nocturnos tales comoThe Masque y el Whisky A Go Go en Los Angeles. En 1979, Gina Schock remplazó a Bello en la batería. Durante ese año, la banda grabó un demo y apoyó al grupo británico "Madness" tanto en Los Angeles como en Inglaterra. The Go-Go's pasaron medio año de 1980 en gira en Inglaterra, y lanzaron el sencillo "We Got the Beat" en Stiff Records.

The Go-Go's firmaron con IRS Records en Abril de 1981. Su álbum debut Beauty and the Beat fue una sorpresa ya que llego al primer lugar de las listas de popularidad en seis semanas. "Our Lips Are Sealed" y una nueva versión de "We Got the Beat" fueron lanzado como sencillos y llegaron a los primeros puestos radiales. Su siguiente disco, Vacation, de 1982, también fue bien recibido por el público, sobre todo por el tema que daba título al material. En 1984 Martin Rushent produjo el álbum Talk Show, y aunque el tema Head Over Heels alcanzó buenas posiciones, las ventas del disco fueron pobres.

Algunos conflictos personales y diferencias creativas fueron erosionando las relaciones del grupo, y Jane Wiedlin anuncio su salida del mismo en Octubre de 1984. El grupo se presentó en 1985 en el festival "Rock en Rio" con una nueva alineación, pero Belinda Carlisle y Charlotte Caffey pronto se dieron cuenta que sus corazones no pertenecían al grupo y decidieron separarse en Mayo de 1985.

Belinda Carlisle llego a ser la más exitosa de las artistas de la banda, teniendo varios sencillos a finales de la década de 1980, incluyendo el sencillo número uno "Heaven Is a Place on Earth" y, todavía a la fecha sigue lanzando material. A principios del 2007, salió a la venta el disco Voilá, álbum de versiones nuevas de temas clásicos franceses como La Vie En Rose.

Por su parte, Jane Wiedlin lanzó varios álbumes como solista incluyendo Fur, que contiene el sencillo "Rush Hour". También tuvo varios papeles en cintas como "Bill and Ted's Excellent Adventure", "Clue", and "Star Trek IV: The Voyage Home", así como doblajes de caricaturas y una aparición en 2005 en el show de VH1 "La vida surrealista".

En 1990, las Go-Go's se reunieron para tocar en un concierto de beneficencia para la protección del ambiente de California (California Environmental Protection Act), una iniciativa de ley de 1990. La banda volvió a estar de gira en 1994, cuando lanzaron el disco de éxitos: Return to the Valley of the Go-Go's. En el 2001, volvieron a lanzar un álbum con nuevo material, God Bless the Go-Go's. El álbum fue bien recibido por los críticos, aunque las ventas fueron bajas.

Desde entonces, el grupo ha decidido seguir actuando junto. Actualmente, con la misma alineación intacta, el espectáculo de The Go-Go's en vivo continua con la misma energía que las caracterizó en sus principios punk, y el temperamento de la sabiduría de tres décadas de perfeccionamiento pop.

En el 2006, la banda salió de gira para celebrar el 25 aniversario de Beauty and the Beat. Recientemente, las Go-Go's planearon un proyecto con Disney llamado the Po-Go's, presentando músicos infantiles ejecutando el nuevo material de The Go-Go's.

Por su parte, Charlotte Caffey y Kathy Valentine también están planeado un reality show con Susanna Hoffs y Vicki Peterson de "The Bangles", que mostrará artistas femeninas que formarán una nueva banda de solo mujeres.

Lejos de ser las cantantes de color de bandas de soul que también surgieron en el pasado, las Go-Go’s fueron más bien las iniciadoras del “Girl Power” que grupos que van desde las Spice Girls hasta las Verónicas a la fecha, con una actitud “rebelde”, y con el plus de ser las creadoras y ejecutadoras de su música.

Ciertamente, la carrera exitosa de las Go-Go’s es muy breve. Los años de oro de esta agrupación fueron muy pocos y sí siguen juntas hasta la fecha es más que nada porque siguen reviviendo glorias pasadas. Efectivamente, Belinda Carlisle fue muy exitosa a fines de los ochenta, sin embargo fuera de un par de canciones relevantes, sigue siendo ubicada como la líder del grupo que con una supuesta influencia “punk” llegó al espectro comercial del mundo, con canciones divertidas, que a la fecha son punto de referencia para cualquier “pseudo-rockera”.

Esta es mi canción favorita. La energía, la interpretación, la imagen, sin lugar a dudas es infinitamente superior a cualquier cover que varias han intentado hacer, desde Fergie hasta Hilary Duff. Esta canción, es lo bueno.

Las Go-Go’s con la magnífica Our Lips Are Sealed.

OBSESIÓN DE LA SEMANA: EVERYTHING BUT THE GIRL

Después de algunas semanas que esta sección estuvo detenida, más por la falta de creatividad y motivación para escribir que por otra razón, hoy traigo de vuelta una obsesión musical que me ha marcado, pues además de ser un simple gusto por alguna canción o melodía, va más allá, al grado de realmente sentir una relación estrecha entre el mensaje del artista y mi persona.

En esta ocasión, quiero dedicar este espacio a un dueto formado en la ciudad inglesa de Hull en 1982: Everything But The Girl.

El grupo formado por Tracy Thron en las vocales y Ben Watts en la guitarra y los teclados. Estas dos personas también son pareja, aunque siempre se han mostrado recelosos de compartir su relación con la opinión pública, por lo que han manejado su matrimonio fuera de los reflectores, pues desean criar a sus hijos fuera del ojo de la prensa.

Cuando Thorn y Watt se conocieron, sus ideales eran similares, pues ambos asistían a la Universidad de Hull y a su vez grababan para la disquera independiente Cherry Red Records como solistas. Eventualmente, a principios de 1982, las dos personas se unen profesionalmente en lo que hasta ahora se conoce como Everything But The Girl (Todo menos la chica), haciendo alusión al eslogan de la tienda Turner’s Furniture que sugería que todo estaba en descuento menos la chica del mostrador.

El sencillo debut de Everything But The Girl, también conocidos por sus iniciales EBTG fue el cover al tema de Cole Porter, Night And Day, lanzado en 1982. Su primer disco completo llegó hasta 1984 con el nombre de Eden. Desde esos momentos, el dueto empezó a generar interés a nivel local, y poco a poco, generando un grupo de seguidores de culto considerable.

La primer producción se centraba en sonidos de Bossa Nova, mezclados con Folk, lo que llevó a la banda a dar a conocer su estilo musical ecléctico.

Sin perder su estilo característico, EBTG apostó por temas pop en sus siguientes álbumes que se lanzaron en el resto de los ochenta. En 1985 llegó a las tiendas Love Not Money y un año después Baby The Stara Shine Bright, donde incorporaron a una orquesta en su música.

El disco Idlewild fue emitido en 1998. Se trataba de una colección de canciones maduras que iniciaron un camino hacia la música orientada a este estilo. Es con este material que logran su primer éxito comercial masivo, gracias al cover a la canción de Rod Stewart, I Don’t Want To Talk About It.

EBTG siguió lanzando material prácticamente cada año. Para 1994 llegó su más grande éxito comercial gracias al disco Amplified Heart. La mayoría de los temas tenía una base acústica producto de la mente de Thorn y Watts. Sin embargo, gracias a una mezcla realizada por el productor y DJ Todd Terry, el grupo se convirtió en un éxito masivo a nivel internacional.

La canción encargada de hacer esta tarea fue Missing, sencillo que llegó al primer lugar en prácticamente todas partes del mundo, incluyendo una larga estancia en las listas musicales estadounidenses, donde todavía no habían logrado introducirse de manera total. En Estados Unidos el tema alcanzó el segundo puesto y se quedó en la lista de los 100 temas más importantes por más de un año.

Los dos siguientes discos de EBTG estuvieron influidos por la música electrónica, y sonido de grupos como Massive Attack y Deep Dish, quienes a su vez, colaboraron con ellos para alcanzar su nuevo sonido. Walking Wounded y Temperamental son la mejor muestra de esta nueva etapa.

La buena recepción de estos materiales motivaron al trabajo por solitario de Ben Watts, quien fue requerido como productor para varios artistas, incluyendo Beth Orton, con quien colaboró para el disco Stara All Seem To Weep.

Por esta razón, EBTW después de Temperamental de 1999 decidió tomarse un tiempo de descanso que sigue hasta el momento, no obstante, el grupo ha seguido activo en individual.

En marzo del 2007 salió a la venta el álbum Out Of The Woods, la primer producción de Tracy Thorn como solista. Su primer sencillo promocional, It’s All True, fue bien recibido por la crítica y se espera mayor promoción de la intérprete en los siguientes días.

Los seguidores de Everything But The Girl siguen activos, tal como lo confirman los mensajes en el sitio de Internet de la banda. Recientemente se lanzó un disco doble de remixes con lo mejor de su música electrónica, incluyendo mezclas nunca antes lanzadas comercialmente.

Yo, como mucha gente en el mundo, me convertí en fan de EBTG con el éxito de Missing, sin embargo, mi gusto por ellos fue más allá de esta canción, pues todo el disco Amplified Heart se convirtió en uno de mis favoritos por mucho tiempo.

No obstante, el material esencial para mi persona de esta banda, es el álbum lanzado en 1997 bajo el título de Walking Wounded. En este disco además del éxito dance Wrong, se incluyen lo que a mi consideración son las mejores letras del grupo.

Tan sólo con el título de este disco ya me imagino a una persona así, incluso a mi mismo como puedo sentirme en este preciso instante, sigo caminando, pero estoy caminando herido.

Con temas como la dificultad de estar sin pareja y querer todavía buscar a la relación anterior en Single, la necesidad de tener un compromiso real y completo por parte de la pareja en Before Today, el recuerdo de los años y los cambios en nuestras vidas en Flipside y el dolor de una despedida y la dificultad por madurar en The Heart Remains A Child, entre otras.

Todavía escucho este álbum y pienso en el dolor que Thorn pudo haber tenido en su corazón para interpretar con tanta intensidad y veracidad estos temas. Una vez más debo decir que es este el tipo de artistas que me gustan, quienes pueden expresar un sentimiento verdadero y puro con su trabajo, y Everything But The Girl, lo hace claramente.

En este espacio dejo mi canción favorita de Everything But The Girl, es precisamente The Heart Remains A Child, con todo y esa maravillosa frase que incesantemente Thorn repite hacia el final: “Why Don’t You Love Me?” (¿Por qué no me amas?)

The Heart Remains A Child - Everything But The Girl

Y el video de Single: “Do you like being single, do you want me back, do you want me back?” (¿Te gusta estar soltero, ¿me quieres de regreso?).

OBSESIÓN DE LA SEMANA – SUZANNE VEGA

Esta semana, continúo la serie de obsesiones, con intérpretes y compositoras con características un tanto depresivas o frías, que me apasionan y me hacen disfrutar totalmente sus creaciones. Hoy en la obsesión del Gonzo’s Place: Suzanne Vega.

Suzanne Nadine Vega nació el 11 de julio de 1959 en Santa Mónica, California, aunque de tan sólo dos años, se mudó con su familia a Nueva York.

Con nueve años, Suzanne empezó a escribir poesía, mientras que su primer canción llegó a los catorce años. Los estudios artísticos de Vega ocurrieron en el prestigioso colegio Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts, en el cual se graduó en danza moderna.

En la Universidad optó por estudiar literatura inglesa, a la par que empezó a realizar pequeñas presentaciones, que la llevaron a obtener su primer contrato discográfico en 1984.

El álbum debut de Vega fue lanzado en 1985, con muy buenas críticas en Estados Unidos, y con el estatus de disco de platino en el Reino Unido. Entre las canciones más emblemáticas de esta primer producción destacan Small Blue Things y Marlene on the Wall.

El mayor éxito comercial en la carrera de la cantautora ocurrió en 1987 con su disco Solitude Standing, que incluía los temas Tom’s diner y Luka, esta última un parte aguas para Vega, al generar interés por sus letras sobre el abuso a los niños, algo poco común para un tema pop.

Tom’s Dinner no fue un éxito instantáneo. La versión acapella del tema permaneció oculto hasta que dos productores de música dance conocidos como DNA realizaron una mezcla que llegó a los primeros puestos en las listas de todo el mundo.

A partir de los noventa, la música de Suzanne se volvió más experimental, y las letras expresaron más emociones. Con el lanzamiento del disco 99.9 F° de 1992, Vega mezcló acertadamente la música Folk con música para bailar y ritmos industriales.

Más discos han venido durante estos años, los principales temas fueron incluidos en la producción de grandes éxitos Retrospective: The Best of Suzanne Vega, emitido en el 2003.

Vega tiene una hija, Ruby From, nacida en 1994. En febrero del 2006 contrajo matrimonio con Paul Mills, poeta y abogado, después de tener una relación desde 1981.

Suzanne también es una defensora de las buenas causas. En septiembre del 2006 dio un concierto benéfico en Central Park, para apoyar a Amnistía Internacional, de donde ha sido un miembro activo por más de una década.

Hay muchas canciones de Suzanne Vega que pudiera presentar en esta sección. De entre varias escogí mi favorita. Es del disco 99.9 F°, una canción que habla sobre la epidemia del SIDA: Blood Makes Noise. Primero un extracto del video y luego una presentación en vivo en el programa de David Letterman.

OBSESIÓN DE LA SEMANA: AIMEE MANN

Es bueno alcanzar los balances, y después de la entrada de Karina como el gusto culposo, ahora me voy al extremo con mi Obsesión de la semana. Esta es otra que me tenía guardada para el momento oportuno que llegó hoy.

Conocida como la “Reina de Hielo” por su aspecto físico y canciones, Aimee Mann nació el 8 de septiembre de 1960 en Virgina, Estados Unidos y, al paso de los años ha construido una reputación envidiable y un cúmulo de fieles seguidores que están al tanto de su trabajo constante.

Mientras estudiaba en la Universidad de Música en Boston decidió que su destino no estaba en la escuela por lo que la abandona y forma su primer banda de música punk, llamada “The Young Snakes”.

En 1983 se unió con su novio Michael Hausman para formar la banda que la haría famosa en varias partes del mundo, Til Tuesday. En 1985 esta agrupación, lanzó su primer álbum, y alcanzó los primeros lugares de popularidad con el tema que daba título a esta producción: Voices Carry.

Esta canción que supuestamente trataba sobre la ruptura entre Mann y Haussman, rápidamente fue recibida por la juventud con los brazos abiertos, sobre todo por la cadena MTV que tuvo en rotación el video por varios meses y otorgó a la agrupación un premio por mejor nuevo artista.

Sin embargo los otros dos discos de Til Tuesday no alcanzaron la popularidad del primero, por lo que la inevitable ruptura del mismo ocurrió en 1990, año en que Mann decide iniciar una carrera como solista.

Durante estos años, Aimee inició una relación sentimental con Jules Shear, quien a pesar de terminar con la cantante, se convirtió en su representante durante los primeros años como solista de la intérprete, además de producir con ella sus primeros dos discos y el soundtrack de la cinta Magnolia.

El primer disco de Mann como solista lleva el título de Whatever, mismo que no se convirtió en un éxito comercial en parte por la quiebra de la disquera que la tenía firmada, aunque el material es considerado uno de los mejores en la carrera de la mujer. En 1995 lanza I’m With Stupid, el cual tiene la misma suerte de la anterior producción.

Ese mismo año, la canción That’s Just What You Are fue incluida en el soundtrack de la popular serie Melrose Place, por lo que su imagen aparece durante varios capítulos al final de los mismos. Este podría ser el acercamiento comercial más estrecho que Mann había tenido desde su época con Til Tuesday.

En 1997, después de llevar una relación desde finales de los ochenta, Aimee se casó con el cantante Michael Penn, hermano del actor Sean Penn. Desde entonces la pareja lleva uno de los matrimonios más sólidos de la industria, que se ha reflejado en algunas colaboraciones musicales.

Un nuevo disco fue grabado bajo el nombre de Bachelor No. 2, pero la disquera que lo produjo decidió detenerlo al no ver posibilidades comerciales a esta producción. Mientras esto sucede, Mann conoció al director Paul Thomas Anderson que trabajaba en su cinta Magnolia, quien se declaró seguidor de Mann desde su paso por Til Tuesday.

La mancuerna se dio para trabajar en la banda sonora de la cinta. Al final ocho canciones de Mann fueron incluidas en la misma, pues Anderson de manera deliberada trabajó con las letras de Mann para crear a los personajes de la historia y las situaciones en las que se verían envueltos; entre los temas destaca “Save Me”, mismo que fue nominado al Oscar.

Al ver que la industria discográfica no la apoyaría, Mann decidió formar su propia disquera y distribuir independientemente sus materiales. Finalmente el álbum Bachelor No. 2 fue lanzado en el 2000, y se conviertió en un éxito independiente al alcanzar altas ventas para un material de este tipo.

A partir de este momento, Mann es considerada como una gran exponente de la música “indie”, y continúa lanzando varios álbumes. Sus seguidores se han convertido en una sociedad de personas que incondicionalmente han apoyado a la intérprete, quien está en giras constantes alrededor del mundo para promocionar su peculiar música.

En el 2005 trabajó con Joe Henry para el disco The Forgotten Arm, un disco concepto que narra la historia de dos amantes que se conocen en Virgina en la década de los setenta. Al igual que en sus trabajos anteriores, el arte de los discos es parte importante del material. En este caso, ilustra el producto con imágenes alusivas al boxeo.

El trabajo más reciente de Mann es un álbum navideño lanzado a fines de 2006. En lugar de interpretar los villancicos más conocidos, la cantante prefirió incluir composiciones propias alusivas a las fechas.

La carrera de Aimee Mann ha estado alejada de escándalos, éxitos masivos y frivolidades. En su lugar, el trabajo de la intérprete ha sido lo más importante, y es lo que la crítica y sus seguidores siempre han aplaudido. No es una, sino varias las canciones de esta mujer las que son de mi completo agrado. Algunas más desgarradoras que otras, pero siempre con algo que deja un profundo pensamiento o sentimiento en el interior.

Mi tema favorito de ella es That’s Just What You Are. Esta canción me la auto – dedico. La letra es una fuerte crítica a cómo una persona puede llegar a ser, con muchos defectos y tal vez algunas virtudes, y la reflexión final sobre la imposibilidad de hacer algo, simplemente porque “eso es lo que eres”. Aquí está la canción en cuestión… ¡a disfrutarla!

OBSESIÓN DE LA SEMANA: THANK ABBA FOR THE MUSIC

Mis obsesiones continúan. A veces son más fuertes y otras más pequeñas, pero todas forman parte de mi ser, mis gustos y pasiones. Hoy he escogido a un grupo que tiene años de no existir, y que sin embargo tiene un legado tan vivo que los sigue haciendo vender millones de discos, y seguir presentes en el espectro musical internacional gracias al legado musical que dejaron durante su existencia.

La obsesión por ABBA surgió realmente después que Madonna hiciera el sampleo de Gimme Gimme Gimme (A Man After Midnight) para Hung Up, pero la verdad es que su música me gustaba desde antes. En 1995 ya había comprado su disco de éxitos ABBA Gold, y la presencia de su música en la cinta Priscila, Queen of the Desert de mediados de los noventa también habían generado un importante gusto en mi persona.

El surgimiento de la banda puede empezarse a contar en 1966 cuando los cerebros del grupo, Björn Ulvaeus y Benny Andersson empezaron a trabajar juntos; aunque fue hasta 1969 cuando conocieron a las otras dos componentes y vocalistas, Agnetha Fälkstog, quien había conocido a Björn en las giras de éste con su grupo Hootenanny Singers y; Anni-Frid Lyngstad, quienes en poco tiempo se convirtieron en sus respectivas parejas.

En 1972, People Need Love fue el primer sencillo del grupo conocido como Björn & Benny, Agnetha & Anni-Frid. La buena aceptación los animó a que en 1973 la incipiente banda se presentara en la selección de canciones para el festival musical Eurovisión con el tema Ring Ring, quedando en tercer lugar.

Para 1974 el grupo tomó el nombre que sería reconocido mundialmente: ABBA, acrónimo de las iniciales de sus cuatro componentes, justo antes de que su canción Waterloo fuera seleccionada para representar a Suecia en el XIX Festival de Eurovisión. La canción ganó el concurso con 24 votos.

Gracias al triunfo en Eurovisión el sencillo fue un rotundo éxito en toda Europa. Con su siguiente número 1, SOS, editado año y medio después, ABBA consiguió repetir triunfo en todo el continente.

Una de sus canciones más reconocidas y exitosas es Mamma Mia, lanzada en 1975, alcanzando el número uno en Australia y el Reino Unido; aunque su mayor éxito fue logrado en 1976 con su único primer lugar en Estados Unidos con la canción Dancing Queen.

En 1977 se realizó una película basada en su gira australiana de aquel año, Abba : The Movie. Fue la etapa más dulce de ABBA y la de la conversión de su música de pop a disco, pero también en la que la amistad de los componentes se empezaría a resquebrajar. En 1979, Björn y Agnetha anunciaron su divorcio, reflejado además en muchas de las melodías compuestas desde entonces, como The Winner takes it all de 1980.

En pleno apogeo de su éxito, ABBA decide hacer grabaciones de sus canciones en otros temas. Incluso en la actualidad existe un disco en español llamado “Gracias por la Música”, ahora disponible como ABBA ORO, que incluye diferentes grabaciones de sus éxitos más importantes. Esta producción incluye la versión al castellano de Chiquitita, canción que a principios de los ochenta se escuchó en las radiodifusoras latinas, otorgando otra conquista al grupo sueco. Este tema también sirvió para una buena causa, pues las regalías del mismo fueron donadas para la UNICEF.

En 1981, la segunda pareja de ABBA, Benny y Frida, se divorciaron también, lo que no impidió la salida de su octavo disco The Visitors a finales de año, el cual contenía la canción One Of Us, su último éxito conocido internacionalmente. Pero el grupo ya estaba disuelto, desde el momento en que cada uno tenía sus propios objetivos.

En 1982 Benny y Björn se alejaron progresivamente del conjunto por su trabajo en el musical Chess, y Agnetha y Frida por la preparación de sus inminentes carreras en solitario.

Tras el lanzamiento de The Day Before You CAME, su último tema grabado, y el relativo fracaso del último sencillo del grupo, Under Attack, en diciembre de 1982, ABBA anunció su separación temporal, misma que continúa hasta la fecha, pues aunque sus canciones han seguido produciendo beneficios desde entonces, nunca más se volvieron a reunir.

Después de la ruptura del grupo, Björn Ulvaeus y Benny Anderson siguieron trabajando juntos. Entre lo más importante que han hecho es la realización de la obra musical Mamma Mia, construida alrededor de las canciones de ABBA, narrando una historia sencilla y encantadora, que ha tenido éxito en varias partes del mundo donde se ha presentado.

Para 2007 se prepara la versión cinematográfica de la misma, con Meryl Streep como la protagonista, por lo que seguramente seguiremos escuchando esos clásicos por mucho tiempo.

Anni-Frid Lyngstad por su parte, empezó a trabajar en solitario en 1982 mientras el grupo realizaba sus últimas grabaciones, año en el que editó su álbum Something Going on) de la mano de Phil Collins El tema que dio título al disco fue un gran éxito en Europa e incluso Estados Unidos, y ha realizado desde entonces trabajos intermitentes, con mediano éxito en su país natal.

Por su parte, Agnetha Fälkstog también empezó a trabajar exitosamente en solitario, pero en 1987, tras la publicación de su I Stand Alone, cayó en una depresión de la que no se remitió hasta años después. En el 2005 reaparició con el disco My Colouring Book.

Mucho se ha hablado sobre una posible reunión de la legendaria banda, pero al parecer los egos de sus integrantes siguen siendo la principal barrera para lograr concretarla. En 2004 casi se logró sacar a Agneta de Suecia para festejar los 25 años del grupo dentro del musical Mamma Mia, hecho que no se concretó por la supuesta fobia de la rubia por viajar en avión.

A pesar de las críticas a las que fue sometido el grupo durante toda su carrera, al ser acusados por ser muy comerciales, durante los últimos años se ha visto renacer la ABBA-Manía, reflejada también en la aparición de recopilaciones y versiones de otros grupos.

Realmente para escribir de ABBA necesitaría muchas entradas, y realmente no soy tan clavado con su carrera o música, a pesar de si contar con sus discos y videos, incluso esa maravillosa caja de terciopelo con toda su música que me traje de Canadá. Considero que su carrera está tan llena de varios matices, y sus canciones son tan emblemáticas en el mundo de la música pop, que este espacio se quedaría corto para hacerlo. No obstante recomiendo ampliamente la página oficial del grupo ABBA para cualquier asunto relacionada con la misma.

Para cerrar la obsesión semanal he elegido como suelo hacer, mi tema favorito de la persona o personas que correspondan. En esta ocasión aquí dejo mi canción favorita de ABBA, aunque hay varias que pudieron tomar este lugar. Es una canción que descubrí a finales del 2005 cuando estaba preparando material para mi clase de inglés para avanzados con el tema “modals en pasado”. Realmente es una canción diferente a los temas pegajosos de la banda, y no obstante cuenta con ese ritmo inconfundible de los legendarios suecos.

Este fue el último tema grabado por los cuatro miembros de ABBA, y lanzada como sencillo en 1982 sin contar con suerte en las listas internacionales. Este mes fue considerado por la revista inglesa “Q” como el tema que la gente no conoce de ABBA por excelencia. Es una canción un tanto depresiva, plana, fria, sobre la posibilidad de cambiar este tipo de sentimiento por algo mejor, más agradable con la llegada de alguien. Incluye una de las frases en canciones que más me gusta y me llega, claro que me veo reflejado en ella: “It’s funny but I had no sense of living without aim, the day before you came” (Es gracioso pero no tenía idea de estar viviendo sin una dirección, el día antes que llegaras).