UNA DIVA ESCOCESA

No me había dado cuenta que soy un fan de Annie Lennox hasta hoy que compré el disco “The Annie Lennox Collection”, mismo que estoy disfrutando en estos momentos, con grandes recuerdos, emociones y letras propias de una gran artista, o como ella misma se definió en algún momento, una verdadera “Diva”.



Contrario a lo que podría pensarse, no soy fan de Eurytmics, banda en la que empezó Lennox en la década de los ochenta. Creo que me molesta mucho lo choteada que quedó Sweet Dreams (Are made of this), que la verdad la dupla de Annie y Dave Stewart no es de mi agrado.

Pero el caso de la mujer en solitario es completamente diferente, pues desde el lanzamiento de su primer disco, he seguido y apreciado su carrera, y sinceramente, creo que hoy más que antes.

En The Annie Lennox Collection aparecen 14 canciones, y en la edición especial también 14 videos que retratan la fructífera carrera de la artista, así como todas las etapas que ha pasado desde su llegada en solitario en 1992.

La cantante escocesa nacida en 1954 lanzó en 1992 su disco Diva, el cual fue introducido por Why, una canción que a 17 años de su lanzamiento sigue mostrando la nostalgia, desesperación, dolor y emoción de una relación que ha llegado a un difícil momento.



Y básicamente sobre esta misma situación versa Walking on broken glass, posiblemente el más grande éxito comercial de Lennox como solista. El tema ocupó los primeros lugares de popularidad en varias partes del mundo, y ciertamente todavía es emocionante escuchar la peculiar voz de Annie sufriendo por sentir que camina sobre vidrio roto.



Para su segunda producción, Medusa, Annie Lennox decidió grabar nuevas versiones de temas que fueron éxitos en diferentes grados, dotando a las canciones el característico estilo de la cantante. No more I love you’s fue el primer sencillo, al cual siguieron temas como A whiter shade of pale y Waiting in vain, temas inolvidables en sus versiones originales como en las realizadas por la escocesa.



Visualmente, Annie Lennox ha tenido una carrera llena de color, llena de luces, llena de maquillaje e incluso, llena de exageraciones. Todo se acepta, se perdona y se aplaude, pues la presencia de la cantante es excepcional.

Ya sea con imitadores en Little bird, una versión de Relaciones Peligrosas en Walking on broken glass, las orejas de Minnie Mouse en Waiting in vain o todo el drama de No more I love you’s.



Tras una reunión de Eurytmics a fines de los noventa, los fans de Annie Lennox no volvimos a saber nada de la cantante hasta el 2003, cuando lanzó su disco Bare, álbum que sirvió como catarsis para la cantante tras una fuerte depresión sufrida a causa de varias pérdidas, que llegaron a afectar profundamente a la cantante.



Sobre Pavement Cracks, sencillo de Bare, una valiente Lennox confiesa: “Estaba profundamente decaída... tratando de vivir un día a la vez, al punto de la desesperación diaria. Había un sentimiento que todo el color se había ido... se había convertido en negro. Sé que el mundo es doloroso, pero tienes que intentar trabajar con el dolor para que no te destruya. Ya he salido, el color regresó”.

En el 2007 surge Dark road, cuyo video muestra claramente, incluso en el rostro de Lennox, este momento, completamente entendible y aplaudible, sobre todo cuando cualquier mortal piensa que los “artistas” no llegan a sufrir de este tipo de enfermedades.



Para este año, con su disco Songs of mass destruction, destacó la colaboración de Annie con más de veinte cantantes, incluyendo a Madonna, para grabar el tema Sing, con el cual promovió una campaña a favor de la lucha contra el sida, especialmente en las mujeres y niños de África.



Los éxitos de Annie Lennox se contemplan con música de película, y aunque en la edición mexicana del álbum no se incluye el tema Into the west de la película El rey de los anillos, sí aparece afortunadamente Love song for a vampire, una inquietante y majestuosa canción del soundtrack de la versión de Francis Ford Copola de Drácula.



El cierre de casi dos décadas de trabajo llega en The Annie Lennox Collection con el tema Shining light, un respiro positivo hacia el porvenir y los buenos momentos del futuro.



Una mujer trabajadora, que ha sufrido, que ha vivido el glamour, que ha llorado por amor, que ha apoyado las buenas causas, que ha caído, que ha subido, Annie Lennox, una verdadera Diva.

Mi "ratico" con Juanes

A Juan Esteban Aristizábal, conocido mundialmente como Juanes, lo conocí a principios de esta década, cuando los canales musicales de televisión empezaron a trasmitir el video de su canción, Fíjate Bien. En ese momento realmente no le puse mucha atención, al sentir que era una propuesta sin mayor novedad, sin tomar en cuenta la importancia de la letra de dicho tema, una de las primeras muestras del interés del cantante colombiano sobre el bienestar de la humanidad.

Lo único que sabía de este cantante, es que era de Colombia, y que había surgido de un grupo llamado Ekhymosis, totalmente desconocido en México. No obstante, los medios parecían apostar por este intérprete, y al parecer no estaban equivocados.

Fue hasta el tercer sencillo de “Fíjate Bien”, cuando yo me fijé en él. Después de promocionar el tema “Podemos hacernos daño”, salió la canción “Nada”, y fue ahí donde caí rendido ante la música de este joven. Creo que la situación que pasaba por esos momentos y sobre todo el video del tema, donde Juanes al lado de su familia ven la ejecución de una persona que resulta ser él mismo, me impresión, que a la fecha, esta canción sigue siendo una de mis favoritas.

La letra de “Nada” aborda el vacío que deja una relación después de desgastarla al máximo, cuando después de intentar por todos lados ya no queda lo más mínimo de ese sentimiento, y ese aprecio que se sentía por la pareja se ha convertido en un recuerdo lejano.



En el verano de 2002 empezó a sonar el primer sencillo de su segundo disco. Desde la primera vez que lo escuché, y sin ser mi estilo, me encantó “A Dios le pido”, tema con el que inició la promoción de “Un día normal”.

Los sonidos latinos de este hombre estaban al máximo, parecía que ese estilo que lo acompañaría en su hasta ahora corta y exitosa carrera ya aparecerían. Cuando salió a la venta el disco se convirtió en mi favorito del momento. Sin ser precisamente el tipo de música que yo escuchaba, este material me acompañó en los largos recorridos llenos de tráfico por la Ciudad de México.

Fue por ese tiempo cuando tuve mi pequeño “Ratico” al lado de Juanes. En ese año, él no tenía todavía la popularidad que goza actualmente, al menos en México, sin embargo para promocionar “Un día normal”, se llevó a cabo una firma de autógrafos en una tienda del Distrito Federal.

Ese día me escapé del trabajo, llegué al sur de la ciudad donde se llevaría a cabo la cita, y la mayor sorpresa fue cuando previo a la firma de autógrafos, Juanes ofreció un pequeño concierto para presentar el álbum.

Ciertamente en esa ocasión me puse nervioso, llegó el momento en el que el cantante firmaría mi disco, y emocionado ahora recuerdo la tranquilidad de esa persona, que sin perder la sonrisa, de una manera muy humilde me dijo “gracias por el apoyo hermano”… ¡hasta resulté hermano de Juanes!

A cinco años de este disco, “Un día normal”, es mi álbum favorito del colombiano. Creo que incluso la canción que da título a esa producción también me encanta, con esa letra de amor incondicional, donde lo más simple puede convertirse en lo más importante: “hoy es un día normal, pero yo voy a hacerlo eterno”.

“Mi Sangre” salió a la venta en el 2006. No sé si fue por su look con el cabello largo, o porque sentí que musicalmente se repitió lo incluido en “Un día normal”, que hasta el momento este no es mi disco favorito de Juanes. No obstante, fue el material que le sirvió para llegar a lugares tan lejanos como Europa, donde sin desear cantar en otro idioma, el intérprete llevo a su “Camisa Negra” a los primeros lugares de popularidad.

Llega 2007, el ansiado corte de cabello también, y el cuarto disco: “La vida es un ratico”. El disco una vez más parece no ofrecer algo radical en cuanto al género musical, pero algo si está presente, el corazón de Juanes.

“Me enamora” es el primer sencillo que ya está en el primer lugar por todos lados. La canción es un tema alegre, clásico estilo de Juanes, con la invitación a bailar y a cantar cada palabra de la melodía.

Una vez más los temas sociales aparecen, notable tarea del artista que proviene de un país que siempre ha luchado por subsistir a los problemas que lo aquejan.

Y como siempre, el amor es el tema principal de su música. Recomendación especial para el tema “Hoy me voy”, uno de los mejores de esta nueva producción, con la que sin lugar a dudas Juanes seguirá cosechando éxitos.

Tal vez mi gusto por Juanes va más allá de la música, creo que efectivamente él es uno de los pocos cantantes que está comprometido con lo que hace, se nota sincero y feliz de su trabajo, y eso se agradece y se aprecia totalmente.

Para ilustrar musical y visualmente este artículo busqué la canción que comentaba hace unos párrafos. Una letra sin lugar a dudas bella, profunda y con un gran mensaje de amor. Él es Juanes, con una presentación en vivo de “Un Día Normal”.

PERSONAJES: MARK RONSON

Esta ocasión, y retomando esta sección que ha estado un poco olvidada, el Gonzo’s Place dedica un breve espacio a presentar a un nuevo personaje. En esta ocasión, el DJ/ Productor inglés, Mark Ronson.

Nacido en 1975 en Londres, el también co-fundador de Allido Records se ha hecho famoso por versiones nuevas a temas clásicos, así como por trabajar con varios artistas de relevancia internacional en los últimos años.

Mark también es hijo de la escritora Ann-Dexter-Jones y Laurence Ronson. Su padrastro es Mick Jones, guitarrista de la banda Foreigner y también es hermano mayor de la cantante y DJ Samantha Ronson y la diseñadora Charlotte Ronson; es decir, toda una familia de “entretenedores”.

Mark Ronson fue criado en Nueva York, a donde se mudó a los 8 años, y siempre vivió cerca de la música gracias a su padrastro. Su carrera universitaria por lo tanto, estuvo basada en la música, mientras que empezó a ser reconocido como DJ de hip hop en la escena newyorkina desde principios de los noventa, popularidad que lo llevó a ser solicitado para fiestas privadas de celebridades.

Al poco tiempo se dio cuenta que el mezclar no era lo único que quería hacer por lo que decidió producir música. Su primer contacto con este rubro fue con la talentosa Nikka Costa, con quien trabajó a principios de la década actual en su álbum “Everybody’s Got Their Something” (Muy buena la canción que le da título al disco, así como Like A Feather, y en general toda la producción… este disco me encanta y, apenas ahora me vengo a enterar que fue producido por Ronson).

La buena crítica obtenido por la producción de Costa aseguró el propio contrato de Ronson en Elektra Records, con quien lanzó su primer disco Here Comes The Fuzz en 2003, donde colaboraba con varios artistas de géneros disimilares. Las ventas en un principio fueron pobres, pero el material alcanzó el estatus de culto gracias a temas como “Ooh Wee” que sampela el tema Sunny de Boney M y presenta a Nate Dogg, Gostface Killah y Trife Da God en las vocales.

Los siguientes años en la carrera de Mark se enfocaron en la producción de éxitos comerciales y de crítica en los años venideros.

En el 2004 fundó su propia disquera, Allido Records, junto con su representante, Rich Kleiman. El primer artista firmado fue el rapero Rhymefest.

Entre los más destacados se encuentran Robbie Williams, Lily Allen, Christina Aguilera (ni modo, yo creo que ese día andaba corto de dinero) y lo que a mi consideración es su mejor producción: Back To Black de Amy Winehouse.

En el 2007 lanzó el disco Versions, material de covers de varios intérpretes y géneros, recreados por otros cantantes de renombre. El primer sencillo fue Stop Me, una nueva versión a un tema de The Smiths, con la ayuda de Daniel Merriweather, el cual llegó al segundo lugar en el Reino Unido. En este material también se incluyen temas originales de Coldplay, Britney Spears (sí, incluye una rara, pero interesante versión de Toxic), Ryan Adams, Maximo Park, The Zutons y Kasabian, entre otros.

El nuevo sencillo es el tema Oh My God, original de los Kaiser Chiefs, interpretado por Lily Allen.

Aquí dejo un combo con los dos primeros videos de el disco Versions, con todo y su raro pero intrigante concepto.

Stop Me (featuring Daniel Merriweather)

Add to My Profile More Videos

Mark Ronson - Oh My God

Add to My Profile More Videos

PERSONAJES: MAX MARTIN

Esta ocasión, en el personaje de la semana del Gonzo’s Place, un compositor y productor de algunas de las canciones de la música pop de la última década, que nos han dejado momentos inolvidables, aunque algunos de ellos quisiéramos nunca haber conocido.

Max Martin, cuyo nombre real es Martin Kart Sandberg nació el 26 de febrero de 1971 en Stenhamra, un suburbio de Estocolmo, Suecia. Cuando era un adolescente se unió a varias bandas musicales en su país, hasta llegar al grupo de metal It’s Alive en 1985 como su líder y vocalista.

Sin embargo, el grupo a pesar de obtener un buen contrato disquero y lanzar algunos álbumes no alcanzó la cúspide de la popularidad, por lo que a mediados de los noventa se disolvió cuando Martin empezó a colaborar en temas pop con éxito.

Los primeros trabajos en este género los realizó al lado de Venís Pop y su disquera Chieron Studios. Con él produjo el segundo disco de la banda sueca Ace Of Base, The Bridge, del cual destacó el tema It’s A Beautiful Life que vendió más de seis millones de copias alrededor del mundo.

En 1996, Cheiron Studios es contratado para trabajar en el álbum debut de los Backstreet Boys. Uno de los primeros temas realizados por Max Martin fue Quit Playing Games (With My Heart), canción que vendió más de un millón de copias, y ayudó al grupo de adolescentes a regresar este tipo de música en los Estados Unidos. Otras canciones que realizó para esta banda fueron As Long As You Love Me y Everybody (Backstreet’s Back)

Para 1998 el grupo de productores trabajó en material de 5ive, Nsync y Bryan Adams, entre otros. Ese año, Martin se convirtió en el presidente de la disquera, después de la muerte de Denniz Pop.

A pesar de la tragedia de perder a su socio, Max Martin tuvo uno de sus mejores años en 1999 al producir de nuevo a los Backstreet Boys con su álbum Millenium, además de ser el encargado de dar a conocer a Britney Spears al escribir el sencillo …Baby One More Time. Este tema originalmente fue pensado para el grupo TLC que lo rechazó al estar en un descanso. La versión de Spears además de convertirse en el tema que catapultó la carrera de esta cantante, vendió alrededor de 13 millones de copias en los Estados Unidos.

A pesar del constante éxito, Cheiron Studios cerró sus puertas en el 2000, después de argumentar que el espíritu del lugar había muerto con la desaparición de Denniz Pop. De esta forma, Max Martin, al lado de Tom Taloma inició una nueva compañía llamada Maratone en el 2001.

Sin embargo esta nueva aventura del compositor no tuvo tanto éxito, al producir pocos temas de relevancia para intérpretes como Celine Dion.

Sin embargo la situación cambió en el 2004, cuando la ganadora de la primer edición del programa de talento American Idol, Kelly Clarkson, viajó de Estados Unidos a Suecia para conocer a Max Martin y trabajar con él en canciones de su segundo disco Breakaway.

El estilo que las dos partes decidieron tomar fue un poco alejado de un pop puro, al incorporar en los temas sonidos más pesados. El resultado se vio reflejado en éxitos como Since U Been Gone y Behind These Hazel Eyes, dos temas representativos del 2005 y que generaron una nueva tendencia con este estilo.

Ese mismo año, Martin colaboró en 4 canciones para el disco que regresó a los Backstreet Boys al mundo musical. Aunque el álbum tuvo un éxito moderado, sirvió para que Max demostrara que podía hacer otro tipo de música, más adulta.

Entre las producciones más recientes de Max Martin destacan los temas trabajados con The Verónicas (4ever) y Pink (U+Ur Hand y Who Knew) que mantienen a este tipo de música en el gusto de la gente.

La suerte de Max Martin no ha sido del todo buena, pues en el 2002 recibió un premio Razzie (La frambuesa a lo peor del cine) por su canción I’m Not A Girl, Not Yet A Woman, co-escrita con Dido.

Seguramente muchos de nosotros hemos tarareado, amado e incluso memorizado alguna de sus canciones. No cabe duda que Max Martin tiene la habilidad de hacer buenas canciones pop, que posiblemente sean para la basura y, no obstante, tener en su haber varios temas ya clásicos para el género.

De muchos para escoger, creo que uno de los más emblemáticos es el que a continuación incluyo en este espacio. El tema que inició todo con la célebre Britney Spears. De colegiala al híbrido que es hoy en día, esto es …Baby One More Time.

PERSONAJE DE LA SEMANA: SANTO: EL ENMASCARADO DE PLATA

En la sección del personaje de la semana en el Gonzo’s Place esta ocasión llega una figura representativa de la cultura mexicana, especialmente durante la segunda mitad del siglo pasado. Su presencia sigue fuerte aun cuando han pasado ya 23 años de su muerte, su posición en nuestro país sigue y, parece que incluso puede crecer más con una serie animada y una cinta sobre su vida como proyectos a concretar próximamente.

Recientemente fui cuestionado acerca de este personaje. He de reconocer que yo no conozco mucho de luchas, pero no por eso puedo negar la importancia que este deporte tiene en nuestra sociedad. Así, de no saber muchos datos, se generó en mi el interés por indagar más sobre esta figura, por lo que las siguientes líneas estarán dedicadas a este legendario personaje.

Rodolfo Guzmán Huerta, mejor conocido como Santo, El Enmascarado de Plata, fue un luchador mexicano, actor, pero sobre todo un verdadero héroe popular.

El Santo posiblemente sea el luchador más famoso en Latinoamérica, pues incluso es referido como una leyenda no sólo de este deporte, sino de la cultura mexicana. Su carrera en la lucha libre duró casi cuatro décadas, durante las cuales se convirtió en un héroe popular y un símbolo de la justicia para el hombre común, al trascender en otros medios fuera del deportivo, y volverse el protagonista de historietas y películas.

Guzmán Huerta nació en Tulancingo, Hidalgo el 23 de septiembre de 1917. Llegó a la Ciudad de México en los años 20 junto con su familia, quien se asentó en el barrio de Tepito. Desde pequeño empezó a interesarse por los deportes al practicar besibol y futbol americano, para después interesarse en la lucha.

Ya durante la segunda mitad de los 30, Rodolfo empezaba a ser reconocido como luchador, aunque su nombre final todavía no llegaba, pues utilizaba identidades como Rudy Guzmán El Hombre Rojo, El enmascarado, El Demonio Negro y El Murciélago II, entre otros.

En 1942 su entrenador, Jesús Lomelí, al crear un nuevo equipo de luchadores con vestimentas plateadas, invitó a Rodolfo al equipo. En este momento surgen tres nombres: El Santo, El Diablo y El Angel. Es entonces cuando surge el nombre que le daría popularidad mundial: El Santo. La primer lucha con este nombre ocurrió en la Arena México el 26 de junio de ese año y, a partir de entonces la leyenda inició al contar con un estilo propio, agilidad y versatilidad en las peleas.

Durante los cincuenta, el artista y editor José Guadalupe Cruz inició con la publicación de una historieta del personaje, con lo que El Santo se convirtió en el primer luchador en los comics mexicanos, y alcanzó un nivel similar al de Kalimán.

A finales de esta década, Guzmán es invitado a trabajar en el cine, e inicia otra racha exitosa en la carrera del luchador, sin dejar la actividad primordial en el ring. Fernando Osés y Enrique Zambrano escribieron los libretos para las dos primeras películas del Santo: Santo contra el Cerebro del Mal y Santo contra los Hombres Infernales, ambas estrenadas en 1958, y dirigidas por Joselito Rodríguez. La filmación de estas cintas se llevaron a cabo en Cuba.

Aunque ambas películas tenían un bajo presupuesto y fueron altamente improvisadas, tuvieron gran aceptación por parte del pueblo mexicano traducido con altos ingresos en taquilla, lo que dio paso a una larga serie de producciones protagonizadas por el Santo, mismas que llegaron a ser casi 60.

Durante el paso del Santo por el cine, los temas variaron desde historias pensadas para el público infantil, hasta las enfocadas a adultos con argumentos de terror o suspenso y bellas mujeres voluptuosas.

En México, para las generaciones recientes, posiblemente la película más famosa del santo sea “El Santo contra las Momias de Guanajuato”, cuyo nombre original es simplemente Las Momias de Guanajuato y, donde el héroe únicamente tiene una pequeña participación hacia el final del largometraje. De igual relevancia se encuentra Santo vs. las Mujeres Vampiro de 1962, que contó con alto presupuesto e introdujo el origen y la creación de la mitología del personaje, estableciendo que él era el último en una línea de luchadores contra el mal.

El Santo nunca perdió su máscara plateada en combate. Se retiró a principios de los ochenta del cuadrilátero, enfocado más en la preparación de su hijo para que ocupara el mítico lugar; aunque siguió con una presentación de escapismo en el teatro Blanquita.

Semanas antes de su muerte, sorprendió al público al descubrir su rostro en el programa Contrapunto conducido por Jacobo Zabludowsky. El 5 de febrero de 1984, al concluir una presentación, Rodolfo se sintió agotado por lo que se acostó a reposar en su camerino. En este momento sufre un paro respiratorio por lo que es llevado de urgencia al hospital, donde minutos después es declarado muerto a la edad de 67 años.

En la siguiente función que se celebraría esa noche se informó la noticia sobre el deceso del luchador. En todos los cuadriláteros del país se guardó un minuto de silencio en memoria del ídolo. Al ser enterrado, decidió conservar su famosa máscara de color plateado. A su funeral asistieron más de 10 mil personas para despedir a su héroe.

Sin embargo, con su fallecimiento su historia no terminó, y la leyenda continuó. Aunque el género de películas de luchadores desapareció prácticamente en los ochenta a causa de la llegada de las ficheras, la imagen del Santo siguió presente en la mente de la gente y las siguientes generaciones, gracias a la buena recepción que también tuvo “El Hijo del Santo”.

Para el nuevo milenio, la productora estadounidense Cartoon Network está por presentar al personaje del Santo en caricatura, con una nueva serie en la que el gran ídolo será protagonista.

Por otro lado, esta misma semana se dio a conocer la noticia sobre la posibilidad de una nueva cinta que trataría la vida de este legendario personaje. Nombres reconocidos actualmente en la industria como Guillermo del Toro, Guillermo Arriaga y Alfonso Arau, estarían involucrados en la realización de la misma, de acuerdo a declaraciones del Hijo del Santo, al conmemorar los 23 años de la muerte del luchador.

Ahora, hasta el nieto parece estar interesado en seguir la saga, lo cual podría ser algo interesante para ver si la leyenda del Santo puede seguir adelante por mucho tiempo. Al menos en México su presencia es innegable, y la gran legión de seguidores que lo ven como un personaje de culto, parece seguir con la misma fuerza que tenía cuando el ídolo contaba con vida.

Hoy, el personaje de la semana en este espacio: el inolvidable, místico e invencible Santo, El enmascarado de plata.

PERSONAJE DE LA SEMANA: TOM TYKWER

El cine es conocido coloquialmente como el séptimo arte. Y efectivamente un verdadero arte es el poder transmitir en imágenes un cúmulo de sentimientos, emociones, pensamientos, e incluso olores.

La película “El Perfume: Historia de un Asesino”, basada en la obra de Patrick Süskind publicada en 1985, ha sido acertadamente adaptada a la pantalla grande, e incluso la crítica especializada ha coincidido en aceptar, que el más grande logro de esta cinta, es la forma en la que la obra literaria fue adaptada, permitiendo transmitir la esencia principal de la misma: los olores, a través de imágenes.

Este gran logro, fue posible gracias a la visión, conocimiento y pasión que el realizador alemán Tom Tykwer ha desarrollado a lo largo de su corta pero fructífera carrera. A pesar que muchos cineastas como los franceses Jean-Jacques Annaud y Jean-Pierre Jeunet estuvieron considerados para realizar la versión cinematográfica de la novela, e incluso se manejó el nombre de Johnny Depp para ser el protagonista, posiblemente el resultado no hubiera sido el mismo, si su realización hubiera estado a cargo de otra persona que no fuera Tykwer.

La trama de “El Perfume: Historia de un Asesino” está ubicada en la Francia del siglo XVIII y cuenta la historia de Jean-Baptiste Grenouille, un niño nacido bajo el mostrador de un puesto de pescado en un mercado de París, poseedor del olfato más sensible en la historia del mundo, pero carente de olor propio.

Es precisamente su sentido del olfato el que le lleva a cometer su primer crimen: una joven cuya exquisita esencia le hace perseguirla por las calles de París y que, en un torpe intento de capturar su olor, asesina de manera casi involuntaria, perdiendo para siempre ese maravilloso aroma. A partir de entonces Grenouille (que parece llevar la desgracia tras de si, ya que todo aquel con el que convive tiene un final trágico) se dedica a aprender el oficio de perfumista con el objetivo de descubrir un método para capturar ese olor.

Tras unos meses en el laboratorio del perfumista Baldini, que le enseña el funcionamiento del alambique, Grenouille parte hacia Grasse con el objetivo de aprender nuevos métodos para retener los aromas. Sin embargo, al ir alejándose de la ciudad, se da cuenta de lo molesto que le resulta la humanidad y sus mundanos olores, por lo que se dirige al sitio más alejado posible del hombre y allí vive durante siete años, regocijándose en el recuerdo de las fragancias que conoce y que archiva en su mente de manera meticulosa.

Es entonces cuando Grenouille se da cuenta de la ausencia de un olor propio, de su esencia. Obsesionado con encontrar un olor propio parte nuevamente hacia Grasse y tras varios experimentos con diferentes combinaciones decide crear el perfume máximo, aquél formado con la esencia de las jóvenes que más amor despiertan entre los hombres, convirtiéndose entonces en un asesino sistemático de muchachas vírgenes a las que les extrae su olor, logrando así un perfume tan maravilloso que puede dominar el amor de los humanos.

La adaptación cinematográfica fue estrenada el 14 de septiembre de 2006 en Alemania, convirtiéndose inmediatamente en la más taquillera del país europeo con alrededor de un millón de espectadores en su semana de estreno. Poco a poco, la cinta ha llegado a diferentes partes del mundo, en donde ha corrido con similar suerte, tanto por parte de la crítica, como del público, quien ha acudido ávidamente a las salas a ver la cinta.

Pero, ¿quién es Tom Tykwer? Es un cineasta alemán nacido en 1965 en la población de Wuppertal. “Peter Pan” fue probablemente la primera película que él vio, y él dice que la fantasía joven de crear un mundo paralelo mágico sigue siendo una inspiración a este día.

Su primer contacto con el público internacional lo logró en 1998, con lo que fue su quinta película, que cambió para siempre la forma en la que el cine moderno es concebido, con una historia no lineal, una cinematografía cargada, rápida, llena de contrastes, y un argumento interesante, fluido y rápido sin posibilidad de parar por un momento.

Me refiero por supuesto a Corre Lola Corre (Lola Rennt), cinta que a la fecha sigue siendo referencia obligatoria para cualquier joven con interés por ingresar al mundo audiovisual.

El largometraje de poco menos de 90 minutos nos relata la historia de Lola, joven que hace todo lo posible para salvar a su novio, aunque los resultados no sean los esperados; no obstante hay más de una oportunidad, y las posibilidades por cambiar el destino y tener un final feliz, pueden convertirse en una realidad alterna gracias a la magia del cine.

Dos años después, Tykwer regresa a la pantalla grande, de la mano de su musa de aquel entonces: Franka Potente, la misma Lola, con quien vivió un intenso y largo romance, tanto en el aspecto personal como profesional, fue convertida ahora en una princesa contemporánea en la cinta “La Princesa y El Guerrero” (Der Krieger und die Kaiserin). Esta cinta carece de la rapidez visual de Corre Lola Corre; sin embargo, el estilo del director está impregnado en las imágenes, actuaciones, lugares y en general dentro de la historia.

Tal vez después de la sorpresa que fue Corre Lola Corre, el público general pudo sentirse extrañado por el curso que tomó Tykwer, sin embargo, podría decir que personalmente prefiero a “La Princesa y el Guerrero”, con todo y su compleja historia de amor, que nos lleva a una clínica de enfermos mentales, a la realización de un gran robo bancario, y a las obsesiones que podemos generar hacia personas por las simples coincidencias de la vida.

Desapercibida para muchos al no contar con tanta difusión como su cinta anterior, la mejor recomendación cinematográfica para este espacio debe ser sin lugar a dudas “La Princesa y El Guerrero”, que aunque difícilmente, todavía puede ser conseguida.

Es precisamente este estilo el que pude observar durante la proyección de “El Perfume”. Y si bien es una cinta de época, un poco “lenta” en su principio, y sin muchos de los excesos que el mismo Tykwer creó, la transformación de las palabras y olores del libro, a las imágenes y olores de la pantalla grande, es un verdadero éxito que solo pocas personas pudieron haber sacado adelante.

Afortunadamente tenemos a Tom Tykwer, y esperamos que este personaje de la semana pueda seguir sorprendiéndonos más adelante con más trabajos excepcionales, como aquellos a los que ya nos está acostumbrando.

PERSONAJES: ELLA ES AMÉRICA, LA FEA

Los personajes de la semana, a diferencia de la sección de la obsesión que ya inicié hace pocos días, son aquellos que admiro por diferentes razones. Pueden ser no únicamente cantantes, sino también actores, escritores, pintores, o tal vez personas comunes y corrientes que generan esta admiración en mi persona.

Semanalmente elegiré alguna persona para esta sección y trataré de abordar datos relevante sobre sus vidas, tal vez intentando explicar la causa de aquella admiración.

Para esta primer entrada, he elegido a la actriz estadounidense America Ferrera quien actualmente protagoniza la serie nueva más importante de la televisión norteamericana: Ugly Betty.

America Georgina Ferrera nació el 18 de abril de 1984 en Los Angeles, California. Hija de padres Hondureños, América fue criada por su madre en Woodland Hills. Es la más joven de seis hermanos, todos los cuales han finalizado sus estudios universitarios, mientras que ella a la par de su trabajo como actriz, cursa en la Universidad de California del Sur las carreras de Teatro y Relaciones Internacionales.

En el año 2002, hace su debut en la cinta Real Woman Have Curves. Por su actuación como una adolescente pasada de peso viviendo en un barrio de Los Angeles, enfrentándose constantemente con su madre y luchando por conseguir su independencia y lograr una mejor vida, ganó el Premio del Jurado por Mejor Actriz en el Festival de Cine de Sundance, así como una nominación para el premio Independent Spirit por mejor debut y otra nominación para los premios Young Artis como mejor actuación por una actriz joven.

Sin lugar a dudas “Las mujeres reales tienen curvas” es una cinta recomendable, por la pasión que se nota dentro de la misma, su realización y las inolvidables actuaciones de Ferrera y de Lupe Ontiveros como su costrosa madre. La cinta independiente se ha convertido en recomendación obligada para los adolescentes y sus padres viviendo en una sociedad latina, donde parece que la familia necesariamente debe ser lo más importante, sin tomar en cuenta el crecimiento que cada persona puede tener.

America Ferrera en el papel de Ana demuestra todos los deseos de una joven con la ilusión de crecer, de ser importante y de esta forma poder ayudar a su familia. Junto con situaciones comunes como la obesidad, la menopausia, la pérdida de la virginidad, y el desprendimiento de los hijos, Real Woman Have Curves es una de las joyas perdidas del 2002.

Después de este papel, Ferrera continuó con papeles tanto en televisión como en el cine, destacando “The Sisterhood of the Traveling Pants” donde compartió créditos con Alexis Bledel de The Girlmore Girls, entre otros actores. En el 2005, recibió el premio Moviline Breakthrough por esta actuación, misma que al igual que “Real Woman...” merece ser vista al narrar la historia de cuatro jóvenes y sus aventuras veraniegas relacionadas con unos pantalones viajantes.

Y aunque el título de la cinta en México, “Amigas Inseparables” sea lo más cursi que se les pudo ocurrir a los distribuidores de la película; ésta va más allá de ser la simple historia de chicas. Es decir, nada que ver con películas de una Lindsay Lohan o Hillary Duff; además que las actuaciones son realmente superiores.

En el 2006 America obtiene gracias a la recomendación de Salma Hayek quien la había descubierto con “Real Woman...” el papel principal en la serie Ugly Betty, adaptación estadounidense de la telenovela colombiana Yo Soy Betty La Fea, en la cual interpreta una joven nada atractiva, con braquets en sus dientes, cejas sin depilar, cabello maltratado y un sentido de la moda nulo.

En pocos meses la serie se ha convertido en una de las favoritas de la televisión norteamericana, pues más que una copia de la versión original, es una adaptación divertida e inteligente que además de tratar el tema de la fealdad visible y la belleza interior real, ha generado cuestionamientos sobre los ilegales que viven en Estados Unidos, al incorporar esta historia en su trama.

La presencia de Ugly Betty en Nueva York inició con el lanzamiento de la serie, cuando varias modelos con el disfraz de fea invitaban a la gente a ver la serie. Por supuesto, la estrategia les funcionó, y para la pasada noche de brujas, el disfraz de Betty Suarez fue un éxito.

Por su papel en Ugly Betty, Ferrera fue nominada para obtener un Globo de Oro por mejor actriz en una serie de televisión de comedia o musical y un Screen Actors Guiad Award, como mejor actuación por una actriz en una serie de comedia.

Ugly Betty todavía no ha llegado a México. En su lugar tenemos nuestra propia versión con Angélica Vale en “La Fea Más Bella”, sin embargo no dudamos que pronto arribe a la televisión mexicana, aunque todavía se desconoce cómo será. Por un lado TV Azteca está casi segura que transmitirá la historia de la fea, lo cual sería un buen golpe para su competencia que ha arrasado con su propia versión. TV Azteca argumenta que ellos tienen un contrato de exclusividad con ABC, distribuidora de la serie, gracias a la cual se han anotado éxitos con la transmisión en TV abierta de Esposas Desesperadas, Lost y Grey’s Anatomy.

Sin embargo, los derechos de esta historia no son de ABC, sino de Fernando Gaitán, el creado de la Betty original, quien actualmente mantiene excelentes relaciones con Televisa. Así que entre el estira y el afloje, la tecnología y el Internet seguirán siendo nuestro mejor medio para poder acceder a esta serie, que por cierto, ahora puede ser adquirida como descarga digital a través de la tienda estadounidense de Itunes.

A sus veintidós años America Ferrera ya es una triunfadora, es un personaje que va subiendo como la espuma y que ha demostrado que en un mundo donde uno debe seguir tendencia de moda para encajar, existe un verdadero fondo donde esa belleza superficial puede llegar a ser más horrible que una apariencia no tan agraciada.

Esta es una pequeña entrevista realizada por Ellen De Generis para America Ferrera recientemente, en ella habla sobre su familia, sus estudios y cómo Ugly Betty ha llegado a cambiar su vida.