No me había dado cuenta que soy un fan de Annie Lennox hasta hoy que compré el disco “The Annie Lennox Collection”, mismo que estoy disfrutando en estos momentos, con grandes recuerdos, emociones y letras propias de una gran artista, o como ella misma se definió en algún momento, una verdadera “Diva”.
Contrario a lo que podría pensarse, no soy fan de Eurytmics, banda en la que empezó Lennox en la década de los ochenta. Creo que me molesta mucho lo choteada que quedó Sweet Dreams (Are made of this), que la verdad la dupla de Annie y Dave Stewart no es de mi agrado.
Pero el caso de la mujer en solitario es completamente diferente, pues desde el lanzamiento de su primer disco, he seguido y apreciado su carrera, y sinceramente, creo que hoy más que antes.
En The Annie Lennox Collection aparecen 14 canciones, y en la edición especial también 14 videos que retratan la fructífera carrera de la artista, así como todas las etapas que ha pasado desde su llegada en solitario en 1992.
La cantante escocesa nacida en 1954 lanzó en 1992 su disco Diva, el cual fue introducido por Why, una canción que a 17 años de su lanzamiento sigue mostrando la nostalgia, desesperación, dolor y emoción de una relación que ha llegado a un difícil momento.
Y básicamente sobre esta misma situación versa Walking on broken glass, posiblemente el más grande éxito comercial de Lennox como solista. El tema ocupó los primeros lugares de popularidad en varias partes del mundo, y ciertamente todavía es emocionante escuchar la peculiar voz de Annie sufriendo por sentir que camina sobre vidrio roto.
Para su segunda producción, Medusa, Annie Lennox decidió grabar nuevas versiones de temas que fueron éxitos en diferentes grados, dotando a las canciones el característico estilo de la cantante. No more I love you’s fue el primer sencillo, al cual siguieron temas como A whiter shade of pale y Waiting in vain, temas inolvidables en sus versiones originales como en las realizadas por la escocesa.
Visualmente, Annie Lennox ha tenido una carrera llena de color, llena de luces, llena de maquillaje e incluso, llena de exageraciones. Todo se acepta, se perdona y se aplaude, pues la presencia de la cantante es excepcional.
Ya sea con imitadores en Little bird, una versión de Relaciones Peligrosas en Walking on broken glass, las orejas de Minnie Mouse en Waiting in vain o todo el drama de No more I love you’s.
Tras una reunión de Eurytmics a fines de los noventa, los fans de Annie Lennox no volvimos a saber nada de la cantante hasta el 2003, cuando lanzó su disco Bare, álbum que sirvió como catarsis para la cantante tras una fuerte depresión sufrida a causa de varias pérdidas, que llegaron a afectar profundamente a la cantante.
Sobre Pavement Cracks, sencillo de Bare, una valiente Lennox confiesa: “Estaba profundamente decaída... tratando de vivir un día a la vez, al punto de la desesperación diaria. Había un sentimiento que todo el color se había ido... se había convertido en negro. Sé que el mundo es doloroso, pero tienes que intentar trabajar con el dolor para que no te destruya. Ya he salido, el color regresó”.
En el 2007 surge Dark road, cuyo video muestra claramente, incluso en el rostro de Lennox, este momento, completamente entendible y aplaudible, sobre todo cuando cualquier mortal piensa que los “artistas” no llegan a sufrir de este tipo de enfermedades.
Para este año, con su disco Songs of mass destruction, destacó la colaboración de Annie con más de veinte cantantes, incluyendo a Madonna, para grabar el tema Sing, con el cual promovió una campaña a favor de la lucha contra el sida, especialmente en las mujeres y niños de África.
Los éxitos de Annie Lennox se contemplan con música de película, y aunque en la edición mexicana del álbum no se incluye el tema Into the west de la película El rey de los anillos, sí aparece afortunadamente Love song for a vampire, una inquietante y majestuosa canción del soundtrack de la versión de Francis Ford Copola de Drácula.
El cierre de casi dos décadas de trabajo llega en The Annie Lennox Collection con el tema Shining light, un respiro positivo hacia el porvenir y los buenos momentos del futuro.
Una mujer trabajadora, que ha sufrido, que ha vivido el glamour, que ha llorado por amor, que ha apoyado las buenas causas, que ha caído, que ha subido, Annie Lennox, una verdadera Diva.
Hasta hace un rato estaba viendo la "fastuosa" entrega de los premios TV y Novelas de México, y más allá desde la visión de alguien que trabaja en televisión y que se da cuenta de un error tras otro en pleno programa en vivo, y de los recuerdos de niñez y adolescencia como seguidor de los melodramas televisivos, hubo un momento que me regresó a mi infancia, con una escena que ciertamente me dejó (y yo creo que a muchos) completamente sorprendido.
Me refiero a la telenovela Amor en silencio de finales de los ochenta, producida por Carla Estrada y protagonizada por Erika Buenfil y Arturo Peniche (de hecho hoy los reunieron en la entrega de los premios, de ahí el recuerdo). Bueno, al menos hasta mitad de la historia estos actores eran quienes encabezaban la historia, pues la verdad, yo creo que aunque muchos lo veían venir, fue una mega sorpresa, ya que justo en el momento en el que la pareja, tras pasar por muchos obstáculos, logran casarse, pasa lo impensable en una telenovela.
Yo creo que muchos recuerdan ese capítulo, donde una Margarita Sanz totalmente enloquecida aparece en plena boda de Buenfil y Peniche, para sacar una pistola, y sin más ni más, matarlos en una escena impactante (imagínense para un niño de 9 años), el pastel salió volando, gritos, sangre, y la entrañable pareja muriendo en pleno día de su matrimonio.
Claro, esto era impensable en una telenovela, los protagonistas no se pueden morir, porque entonces acaba la historia, pero en este caso sí pasó. Claro, Buenfil siguió en la historia, pues pasaron los años, y la hija de Marisela, llamada Ana fue interpretada por la misma actriz, y claro, otra historia ligada aparecía, con todo y el final donde nuevamente Sanz aparece lista para matar a "Marisela" otra vez.
En esta segunda parte ya no mueren los protagonistas, sino la villana, y el final final sí fue feliz.
En fin, para quienes recuerden o no ese momento, les cuento que en youtube está el video. Se ve horrible, pues ya tiene más de 20 años, y yo creo que lo grabaron en Beta, pero vale muuuucho la pena, sobre todo con el: ¡MARISELA... VETE AL INFIERNO!
Hoy fue el hit en la oficina, de hecho ya había escuchado de su existencia, pero no le había hecho caso hasta que me topé con esta nota que publiqué en www.ritmosonlatino.com
En España, el videoclip de la canción Single Ladies de Beyoncé se ha convertido en un fenómeno gracias a una versión realizada por un anónimo que circula por Internet en la cual la cantante baila al ritmo de la canción Paco, Paco, Paco, un viejo éxito de la cantante española de los años 70 Encarnita Polo.
El éxito de este vídeo ha hecho que miles de cibernautas hayan grabado sus propias parodias de la coreografía del videoclip de la cantante convirtiéndolo en un éxito abrumador.
Programas de televisión de este país incluso ha organizado un concurso de baile sobre esta coreografía, con mucho éxito de rating.
También se han hecho eco del enorme impacto que esta parodia del videoclip de Beyoncé ha generado en la Red, con varios famosos del entretenimiento español entre los fans de esta versión de Single Ladies en español.
El videoclip de la canción Single Ladies de Beyoncé, incluida en su último álbum, el disco doble I Am... Sasha Fierce, publicado el pasado 18 de noviembre, ya dio que hablar hace unos meses cuando el programa estadounidense "Saturday Night Live" hizo una parodia en la que se podía ver al mismísimo Justin Timberlake bailando con Beyoncé a ritmo del tema.
Y es que la verdad, la creatividad de los cibernautas luego sí está cañona...en el caso de Paco, Paco, Paco vs Vellones la sincronía de la canción con la coreografía es genial, digna de aplauso, y ni que decir de la rola de Encarnita Polo, es meeeeeeeega pegajosa, bien setentas, bien cool.
Aquí dejo el video para darle otras miles de visitas al éxito de internet en España.
A veces sí quisiera olvidarme de responsabilidades, de preocupaciones, de poses, de lo establecido... pero claro, no es así de fácil como uno quisiera.
No obstante, siempre es una sorpresa poder escuchar la invitiación a hacerlo.
Suena muy raro en la radio escuchar temas de Madonna que no sean los de siempre (Los de The immaculate collection, o Give it 2 me ahora)... apenas hace unos minutos sonó en la radio de la ciudad de México Bedtime Story... una rola que hace aaaaaañññññoooosss no programan.
Escrita por Bjork, fue el primer contacto que la "Reina del pop" tuvo con la electrónica, allá a mediados de los noventa.
En fin, todo lo que haya aprendido, trataré de olvidar... no lo volveré a explicar.
Para mí, todavía sigue siendo el mejor video de Madonna, que a 14 años me sigue dejando con la boca abierta:
De repente, hace algunos minutos salió en el shuffle de mi Ipod la canción Home de Sheryl Crow. Esta canción fue un éxito menor en 1997, y siempre me gustó, sobre todo por su sentimiento puramente melancólico, un tanto depresivo, pero a la vez sincero y hasta un poco esperanzador.
En ese entonces tenía 21 años, y me imaginaba que sería llegar a los 32 y escuchar esta canción... bien, pues el momento está aquí, y ciertamente la letra llega profundamente, todavía, tal vez aún más.
Sin más, aquí dejo la letra de la canción y el video, posiblemente mi favorita de Sheryl Crow. Una maravilla, que recuerdo precisamente desde mi hogar: Home
I woke up this morning Now I understand What it means to give your life To just one man Afraid of feeling nothing No bees or butterflies My head is full of voices And my house is full of lies
This is home, home And this is home, home This is home
I found your standing there When I was seventeen Now I'm thirty-two And I can't remember what I'd seen in you I made a promise Said it everyday Now I'm reading romance novels And I'm dreaming of yesterday
This is home, home And this is home, home This is home
I'd like to see the Riviera And slowdance underneath the stars I'd like to watch the sun come up In a stranger's arms
This is home, home And this is home, home This is home
I'm going crazy A little everyday And everything I wanted Is now driving me away I woke this morning To the sound of beating hearts Mine is full of questions And it's tearing yours apart... And it's tearing yours apart... And it's tearing yours apart... And it’s tearing us apart
Ahora que la Academia le ha hecho justicia a Danny Boyle, director inglés de cine, creo que es más que necesario que volteemos a ver otros de los trabajos de este realizador, que en mi opinión, son sumamente superiores de “Quiero ser un millonario”, tanto por la audacia, las historias, la forma de narrar y la puesta en escena en general.
Más allá de los clichés que encontré un tanto “desencantadores” en la Mejor Película del Año, según los Oscares, las cintas de Boyle han marcado tendencias y han definido momentos muy interesantes, no sólo en la historia del séptimo arte, sino también en las vidas de algunos de nosotros, que no podemos negar algunos recuerdos muy especiales con estas películas… aquí les comento de nada más tres de mis verdaderas favoritas.
3. Millonarios (2004)
Parece que una de las obsesiones de Boyle es el dinero, pues antes de “Quiero ser millonario” ya había hecho una película con tema similar, y que era mucho más fresca, actual, universal y emotiva (al menos creo que tuve más empatía con los niños de esta cinta que con los de Slumdog Millionaire).
El argumento de "Millonarios" se centra en dos niños de clase trabajadora, Damian (Alex Etel) y Anthony (Lewis Owen McGibbon), que un día, por accidente, encuentran una mochila llena de libras británicas... una semana antes de que el país cambie su moneda a euros. Entonces, tienen unos cuantos días para decidir en qué gastar el dinero. Pero sus decisiones tendrán consecuencias inesperadas, especialmente cuando se revele el origen del misterioso dinero.
Emotiva, cálida (a pesar de ser británica), novedosa e inolvidable, así es Millonarios, una de las mejores cintas de Danny Boyle.
2. Exterminio (2003)
Danny Boyle también demostró poder hacer una muy buena película de terror con Exterminio (28 días después), centrándose en la invasión de los zombies a Londres, esta cinta se vuelve perturbadora, intimista y horrorífica, narrando cómo la vida humana va desapareciendo como consecuencia de una infección maligna que a la larga también aborda algunas de las principales características de las personas como el odio, la discordia o la envidia.
El protagonista, Jim (Cillian Murphy) despierta de un coma en un hospital londinense 28 días después de iniciarse la pandemia. Registra el hospital y saca de una expendedora de bebidas unas latas y las guarda en una bolsa. Al salir, Jim descubre una Londres desierta y apocalíptica. Al anochecer, Jim entra a una iglesia donde lo ataca un cura infectado pero lo golpea con la bolsa, sale corriendo de la iglesia y es perseguido por un grupo de infectados.
Incluso hubo secuela de esta cinta, que volvió a colocar a Danny Boyle como uno de los realizadores preferidos por sus propuestas alternativas que dotaban de frescura a géneros desgastados o necesitados de nuevas vertientes.
1. Trainspotting (1996)
Todavía recuerdo cómo era prácticamente básico ver esta película cuando estaba realizando mis estudios universitarios. Era una forma de retrato a la juventud inglesa, pero que también podía mostrar también características internacionales, que nos hacían ver reflejados en la historia e imágenes de la cinta.
Tras el éxito de Tumba al ras de la tierra, Boyle se convertía en el favorito de la juventud gracias a su excelente representación de la famosa generación X que en Trainspotting tiene lo que es posiblemente su mejor película.
La filosofía de vida que presenta el personaje principal, Mark Renton, se resume en una pregunta: ¿para qué elegir vida? Renton señala al principio de la película que seguir a la masa y llevar una vida normal es complicado. Es decir, el adicto no trabaja, no tiene pareja, no tiene responsabilidades ni moral, solamente tiene que preocuparse de conseguir lo que pueda vender para costear él mismo su adicción. Por lo tanto, no se estresa, no tiene peleas amorosas, y es bastante individual. Sin embargo, con el pasar del tiempo, se da cuenta de que no puede estar sumido en un destino circular, y decide ser útil.
Otro gran punto a favor de Trainspotting es su soundtrack con grandes temas del que destaca Born Slippy de Underworld, que incluso motivó a que se lanzara un segundo disco con temas de la película.
Así que en pleno 2009 es bueno conocer el trabajo más reciente de Danny Boyle, y más motivado por el gran triunfo en la pasada entrega de los Oscares, pero no cabe duda que “Quiero ser un millonario” es una cinta pensado para eso, para que le guste a la gente pues es una película “bonita”, que efectivamente es lo que le gusta a la academia.
Pero para los amantes de ese estilo, que repito es sumamente audaz, creo que mejor nos quedamos con otras películas de Danny Boyle que si bien son mucho menos complacientes, e incluso llegan a ser sumamente inquietantes, quedan más para la posteridad, en el recuerdo entrañable de aquellos momentos que ya pasaron pero que se mantienen siempre.
Creo que de algunos años para la fecha, sí me he programado mucho para guardarme muchos sentimientos. Hoy me di cuenta que incluso trato de evitar esas canciones que antes me conmovían, porque creo que me es muy difícil enfrentarme a esos dolores que de repente aparecen.
Yo creo que no puedo todavía descifrar esa parte de mí, que está día a día, y que me tiene ahorita un tanto bloqueado, inquieto, molesto, triste. Y no sé si la opción (creo que tal vez sí), sea el sacarlo, el vivir ese dolor, ese malestar en el pecho, en el interior, ya que de esa forma ya podré finalmente seguir adelante, como ha sido siempre a finales de cuenta.
Hace muy poco escribí sobre la canción Jueves de La Oreja de Van Gogh. Hoy, aunque ya la conocía, me acerqué un poco más al tema Inmortal, otro sencillo del disco A las cinco en el Astoria del grupo español.
Este tema es más alegra sin lugar a dudas que Jueves, sin embargo, entre la alegría de a canción, se nota esa nostalgia, esa pena, esa tristeza de la letra.
Decía que incluso esas canciones corta venas (Como en su momento fue Back to back de Amy Winehouse o With Every Heartbeat de Robyn) han quedado un poco al lado, porque sí duelen (Aunque suene a mala canción de Arjona).
Precisamente Inmortal tiene una de esas frases que hoy precisamente hicieron mella en mí: “que corto fue al amor y que largo el olvido”.
Afortunadamente, y eso sí lo sé muy bien es que este sentimiento que raramente aparece en viernes en la noche, o más bien madrugada en el sábado, no será “Inmortal”, y que a pesar del malestar, sí es muy bueno disfrutar siempre una buena rola como ésta, de La Oreja de Van Gogh.
Soy fan del realizador español Alejandro Amenabar. Todavía recuerdo aquella tarde a mediados de los noventas cuando en pleno centro universitario presencié por primera vez la película Tesis, una cinta que me sorprendió, me dejó muy complacido, y que convirtió en seguidor de este realizador.
Más adelante con Abre los ojos, nuevamente encontré al osado creador de cine, con una historia diferente, fresca, innovadora y sensacional, que igualmente odié cuando fue vuelta a hacer en Hollywood con el anti carismático de Tom Cruise.
Ya en el 2001, una vez más reafirmé mi fanatismo por Amenabar y The Others, película que vi por primera vez en Fort Lauderdale, Estados Unidos, en un viaje para ver a Madonna, que con todo y peripecias incluyó el disfrute de la oscura historia protagonizada por Nicole Kidman.
Mar adentro sinceramente no fue tanto de mi agrado. La vi en parte por la garantía que es Amenabar, y efectivamente, Javier Bardem hace una interpretación excelente, sin embargo muchos de los razgos de sus otras cintas, la psicología de los personajes, su osadía e incluso locura no la disfruté en esta película.
Hoy supe que la siguiente cinta de Alejandro llega a los cines a fines de septiembre o principios de octubre de este año, bajo el título de “Agora”.
Rodada en Malta entre marzo y junio de 2008, "Ágora" está ambientada en la ciudad de Alejandría, en el siglo IV después de Cristo, cuando Egipto formaba aún parte del Imperio Romano.
Acabo de ver los primeros avances de la cinta, y la verdad me sorprende este vuelco en la realización de este director español. De algo tan íntimo como han sido sus anteriores películas, parece inquietante el saber que su siguiente creación es una mega producción a la que se le nota la mega inversión tan sólo en los pocos segundos que dura el trailer.
Y sin embargo, se antoja mucho verla… aunque no sé mucho de la historia, al menos a primera vista parece que será algo interesante, presenciar esta nueva creación del español.
Quien quita y hay algunos personajes interesantes como la estudiante universitaria de Tesis, la forma en la que un rostro y una vida se desfigura en Abre los ojos, o la neurosis de una madre sobre protectora en Los otros.
Este fin de semana vi la película “Loca por las compras” (Confessions of a Shopaholic), una divertida comedia romántica, que sin embargo, en plena época de crisis, fue disfrutable pero a la vez incómoda al ver reflejados varios momentos de alguien que ha visto en las compras una salida, entre placentera y un tanto culposa, que a final de cuentas entra en un círculo vicioso que hoy en día nos tiene obligados a cambiar nuestras costumbres consumistas.
La historia de amor protagonizada por Isla Fisher y Hugh Dancy, está basada en una novela británica en una cinta que ha sido descrita como una mezcla de El Diario de Bridget Jones con Sex & The City. En poco más de hora y media se narran las peripecias de una periodista con las deudas hasta el tope que se pone a dar consejos de cómo ahorrar en una revista de finanzas.
La critica a nuestra sociedad se ve involucrada de una manera graciosa e irónica con los excesos de esta mujer obsesionada por las compras, por tener lo no necesario, por adquirir, “invertir” y tener eso que necesitamos.
Efectivamente, llega el momento en el que el conflicto debe estallar, para como buena historia hollywoodense, el final feliz llegue para la protagonista.
Como decía hace rato, este es uno de los tipos de películas que disfruto más (¿qué creían que era más “elevado” en estos gustos?), aunque sinceramente ese malestar en el estómago causado por ciertas situaciones similares hicieron la experiencia diferente.
Tal vez muchos de nosotros, y más a estas alturas de la vida, somos unos “compralcohólicos” empedernidos, y aunque vivimos con ello y ciertamente nos sentimos bien, llega el momento en el que causa preocupación, sobre todo hoy en día que el dólar sobrepasa los 15 pesos.
Pero como buena historia de amor, esperemos que las cosas mejores, que la situación cambie y que el cuenta llegue a su final feliz… algún momento del futuro.
Otra cosa destacable de la cinta, más allá de la moda, de las divertidas situaciones, incluso de las actuaciones cálidas de las personas que participan en la historia, es el Soundtrack lleno de pop, pop y más pop.
De este disco los dejo con el tema de la obsesión del momento, Lady GaGa, que contribuyó con un tema adecuadamente titulado Fashion. Nada que ver con la canción de Bowie, inspiración de GaGa en varias de sus imágenes, esto es algo diferente, y perfecto para la época de recesión de este 2009.
Tal vez mi pasión más grande es la música, me gusta escucharla en todo momento, y ya sea para ponerme de buenas, para pasar el tiempo o para hacer todavía más fuerte una tristeza, ha estado acompañándome prácticamente desde que nací.
Hoy quiero compartir una canción que apenas descubrí y que me ha movido mucho, a pesar de no tener punto de identificación con su contenido, con su letra, o con la cruda realidad que representa… simplemente, me ha conquistado por su crudeza, su sinceridad, su realidad y sobre todo por la forma en la que el grupo español La Oreja de Van Gogh ejecuta esta pieza, llamada Jueves.
La agrupación española La Oreja de Van Gogh, rinde tributo a las víctimas del mayor atentado terrorista de la historia en su país natal, con el lanzamiento del video de su nuevo sencillo Jueves, que se desprende de su más reciente disco A las cinco en el Astoria.
Leire Martínez, Xabi San Martín, Pablo Benegas, Alvaro Fuentes y Haritz Garde, quienes destinarán los beneficios que genere la canción y el video en sus ediciones digitales a la Asociación 11-M, definen dicho tema como una historia de amor sobre la que nunca hubiesen querido escribir.
"Es una canción especial, quizá la más especial que nunca hayamos escrito. Nace de la necesidad de destacar cada una de las pequeñas grandes historias que muchas veces las estadísticas terminan eclipsando. Por una vez y durante apenas cinco minutos de música, aquel 11 de marzo de 2004 vuelve a ser sencillamente jueves", coincidieron.
Cabe señalar que la nueva balada del quinteto español se sostiene sólo con piano, teclados y la voz de Leire casi desnuda, sin la ayuda de guitarras, bajos ni baterías, donde se aprecian sentimientos como la intimidad, sencillez y emoción.
Confieso que al escuchar la última parte de la letra, poniendo atención a toda la historia contada en voz de Leire Martínez, si sentí un vacío muy grueso, una tristeza verdadera, un nudo en la garganta, por ese fatídico momento del 11 de marzo.
Y ya estamos llegando, mi vida ha cambiado Un día especial este once de marzo. Me tomas la mano, llegamos a un túnel Que apaga la luz.
Te encuentro la cara, gracias a mis manos. Me vuelvo valiente y te beso en los labios. Dices que me quieres y yo te regalo El último soplo de mi corazón.
De verdad que me parece lo más poético esa última frase, lo más romántico del mundo, a la vez lo más doloroso: “Dices que me quieres y yo te regalo el último soplo de mi corazón”.
Nunca he sido fan de La Oreja de Van Gogh, la verdad algunas de sus canciones me han gustado, pero nunca para comprar algún disco de ellos. Con la salida de Amaia Montero, la nueva formación de la banda no me llamó tanto la atención, hasta que llegó el “jueves”.
Muchos dicen que las voces de Amaia y de Leire son muy parecidas. Yo creo, después de escuchar a las dos en vivo, que la interpretación de Martínez es realmente más potente que la de Montero, y para muestra la forma en la que se desgarra al momento de cantar este tema, su nuevo sencillo. Sí, hubiera sido mejor que no hubieran escrito esta canción, pero qué manera tan magistral de contar una historia tan dura, en una canción tan inolvidable. Eso es de grandes.
